大众评乐:伦敦爱乐三访深圳仍回避德奥音乐

时间:2018-1-2 03:45 PM 分类:大家评乐 作者:辜晓进

 

        一如2015年那次,2018年元旦第一晚的音乐会仍由伦敦爱乐乐团(LPO)包圆,而且这次仍是最近深圳诸多新年音乐会中水准最高的一场。记得2010年艾森巴赫率该乐团首次来深演出,就给我震撼印象。当时虽花1680元坐在J区(其实仅就声音而言,深圳音乐厅最好的位置就是 J 区。票价虽是二等,却要比 A 区前排的一等票好若干等级),却深感物有所值。而艾森巴赫的强大气场及其对《自新大陆》的独特诠释,给了我很大满足感。

 

        伦敦爱乐在深圳的人气也是最旺盛的。每次来演出,票都早早售罄。今年这次,虽然最近几乎每天有新年音乐会以及与央视现场转播的维也纳新年音乐会撞车,昨晚的上座率仍超过9成。8年来的三次观赏,发现维也纳爱乐还有两个有趣特点:其一,虽是新年音乐会,却从不走雅俗共赏的小品路线,都是大部头严肃音乐(2015年那次下半场是个例外,演了多首老柴圆舞曲)。其二,虽是西欧乐团,却特别钟爱斯拉夫作品(这次加了北欧作品),而回避德奥经典,更从不沾本国音乐。例如第一次来演奏的是德沃夏克的第八、第九交响曲,2015年是肖邦和柴可夫斯基,昨晚则是俄罗斯和芬兰作品。

 

 

        回到音乐会。昨晚上半场是柴可夫斯基的《罗密欧与朱丽叶幻想曲》和脍炙人口的大提琴与乐队《洛可可主题变奏曲》,后者由哥本哈根年仅30岁的大提琴家布兰特里演奏。虽然年轻,布兰特里在舞台上却是老道从容,大幅度的揉弦和精准的落指,令声音即便在高音区,也显得坚实而温暖,对技术上的挑战也应对自如,且与乐队配合默契。在观众的欢呼声中,他加演了巴赫无伴奏奏鸣曲一首。

 

 

        下半场是西贝柳斯的《第二交响曲》。这也是伦敦爱乐在深圳第一次离开东欧而选择北欧作品。西氏作品大都既深刻、优美而充满激情,且蕴含民族之魂,而这部“西二”较之《芬兰颂》这样的宏大叙事,更是多了精巧与灵动。伦敦爱乐的演绎,可谓完整、完美。弦乐的柔美与凌厉,铜管的硬朗与爆发,都给人留下深刻印象。说实话,最近听的一些新年音乐会多少都有点瑕疵,直到伦敦爱乐,才到了最理想的境界。套句白居易的诗,就是“如听仙乐耳暂明”。

 

 

        最后安可两曲:第一曲是西贝柳斯的《忧郁圆舞曲》,由弦乐和少量木管演奏,旋律伤感,织体透明,极具魅力。我现在心里想的就是到哪儿能买到此曲的CD?第二曲是人所共知的勃拉姆斯《匈牙利舞曲》第五首,这也是乐团三次来深圳第一次加演德奥作品。指挥是70后的彼得连科,俄罗斯人,看上去像个80后,但对乐队的掌控能力和对作品的理解届令人称道。

 

    (王磊/摄影)

 

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大众乐评:伦敦爱乐乐团的惊喜深圳元旦夜

时间:2018-1-2 03:42 PM 分类:大家评乐 作者:左驰

 

        2018年的元旦夜,深圳音乐厅在这个传统的新年档里第三度迎来了伦敦爱乐乐团(London Philharmonic Orchestra)。乐团前两次分别在指挥家克里斯多夫·艾森巴赫和瓦西里·辛奈斯基的率领下造访,这次带队前来的指挥则是由最具影响力的古典音乐类杂志《留声机》评选出的2017“年度艺术家”瓦西里·佩特连科(Vasily Petrenko)。

 

        当晚的这场重量级新年音乐会,以柴可夫斯基的《罗密欧与朱丽叶》幻想序曲开场,乐队的弦乐声部一出声便展现出了极富质感的音乐表达,大提声部和低音提琴声部的音色尤为扎实沉稳。指挥家佩特连科针对作品前半段的弱奏音乐铺垫很足,相当完美地传达出这部性格色彩鲜明的,以著名英国剧作家威廉·莎士比亚经典同名悲剧文本为主题所创作作品,所应当具备的所有戏剧化特征。

 

        乐队英国管乐师的独奏片段为作品垫下了丰富的情感基调。而木管声部长笛女首席的独奏音色更是亮丽通透。此外,乐队竖琴首席的独奏也烘托出朦胧的作品气氛。这支伦敦爱乐的小提声部弓法整齐划一,《罗朱》幻想序曲当中所有繁复的速度和节奏变化都尽在掌握,同时对于台上指挥家的动作指示,亦有着极其灵敏的音乐反馈。弦乐组里,乐队低音提琴声部的表现格外亮眼。而铜管组当中,乐队长号声部做到了在该凸出的地方就尽量凸出:圆号声部的音量则正好相反,相对隐忍节制。

 

        这样一部情感浓郁的俄国作曲家作品,当晚台上伦敦爱乐的演绎少了两分斯拉夫乐团的简单粗暴,却多了三分英伦乐团所特有的细致优雅,乐队整体所呈现出的艺术品味与音乐审美令人称道。

 

 

        台上负责执棒的佩特连科指挥手势时而舒缓,时而坚毅,他那精准的动作指示得到了乐队反应灵敏的音乐回应。作为当下屈指可数的“75后”俄派指挥才俊,佩特连科针对柴可夫斯基作品的诠释风格让人信服。

 

        一曲演毕后,紧接着是上半场音乐会的重头戏——柴可夫斯基为大提琴与管弦乐队而作的《洛可可主题变奏曲》。担当独奏的是丹麦新生代的大提琴家安德里亚斯·布兰特里(Andreas Brantelid)。可见他演奏时的坐姿、架势都极其规整,显而易见是曾接受过严格规范的系统大提琴训练,散发出的是一种学院派的艺术风范。布兰特里手中那把珍贵的斯特拉迪瓦里名琴,演奏时的琴音并不大,但却低声细语当中不急不躁、言之有物:柔和轻缓之下一点一滴、娓娓道来。他其实没有太多外在彰显的表情变化,似乎一切都在让音乐本身说话,他透过自己的琴声在倾诉个人所有的内在情感,显得质朴而纯真。

 

        作为协奏乐队,伦敦爱乐没有丝毫的喧宾夺主,音乐上的出彩表现都尽量留予台上的大提琴独奏家布兰特里了。在这部作品的最后一个变奏,即第七变奏“急速的快板”,大提琴独奏布兰特里和乐队长笛女首席之间的音乐对话细腻到位,那种犹如从天而降般地艺术热情迸发,一直持续到了乐曲的结束。最后,几度返场谢幕的布兰特里,在全场观众热情洋溢的掌声簇拥之下,报幕并加演了一首J.S.巴赫的《大提琴无伴奏组曲》之“奏鸣曲”。上半场的音乐会就在这首经典的大提琴加演作品当中,被划上了完美的句点。

 

 

        下半场迎来了整场音乐会的最大看点——西贝柳斯《第二交响曲》。作品开头的乐队弦乐声部齐奏一出来,就让人感觉到该曲的演释肯定靠谱。果不其然,长笛女首席一如既往地延续着上半场的出众表现,她毫不胆怯、无所畏惧的独奏段落吹奏,叫人印象深刻。这支乐团的弦乐声部素质过硬,每一次大段落的齐奏都深得人心。

 

        西贝柳斯《第二交响曲》(西二)首乐章“小快板”当中,乐队铜管声部也有着上佳的表现,无论是居于舞台右后方的小号、长号和大号声部,还是位于舞台左后方的圆号声部。作品的这个第一乐章,主部主题呈示出的是一番常年冰天雪地、天寒地冻的作曲家故国芬兰的真实环境写照。

 

        作品第二乐章“行板”,乐队低音提琴和大提声部一前一后的拨弦力度到位,紧接着大管声部首席的独奏展现出了相得益彰的情感衬托。在一段层层递进的主题发展过后,该乐章中段,整个弦乐声部的极弱奏无疑构成了一大亮点。台上七十余人编制的乐队,显示出的是无穷无尽、深不见底的艺术动能。

 

        指挥家佩特连科对乐队可谓有着十足的掌控,身为挪威奥斯陆爱乐乐团音乐总监兼首席指挥的他,对同为北欧国家的芬兰,及其最重要的民族乐派作曲家西贝柳斯的交响乐作品,也绝对称得上是有着相当程度的深入理解与心得体会了。

 

 

        作品第三乐章“最急板”的开篇,乐队的演奏是一阵突如其来的风驰电掣、疾风骤雨,但却又完全不会给人以杂乱无章之感。乐队弦乐声部至始至都保持着稳健如一的动人表现,木管声部长笛女首席和双簧管老首席的表现交相辉映。

 

        在乐队的演奏不加停歇地直接切入到作品末乐章“中庸的快板”以后,作品主题的再现一时间无比壮阔辉煌。舞台上的七十多位音乐家都状态神勇,赋予了作品在音乐上所向披靡的精彩呈现。

 

        佩特连科执棒下的伦敦爱乐乐团,针对“西二”整曲的演绎,充分挖掘出了西贝柳斯作品当中所特有的雪国音乐意象;在意境上更是力求完美展现以西贝柳斯为主要代表的北欧民族乐派音乐风格上的凛冽深邃。“西二”结束时的尾声无比绚烂,顷刻间便将全场音乐会给推向了一个极致的高潮。

 

 

        一阵阵不曾停歇的热烈掌声环绕着整座音乐厅,而在收获到台下女观众的一束捧花后,喜出望外的佩特连科立马转身放下花束后,就开始示意乐队加演。

 

        刹那间,乐队奏响了西贝柳斯的《悲伤圆舞曲》,以一首应时应景的圆舞曲作为这场新年音乐会的加演作品,的确是恰到好处、让人叹服的。值得一提的是,昨晚也正值一年一度的维也纳爱乐乐团金色大厅新年音乐会,三年前适逢芬兰作曲家西贝柳斯诞辰150周年,他的这首《悲伤圆舞曲》最后因为版权原因,还错过了在2015年维也纳爱乐新年音乐会上的亮相机会。深圳音乐厅的观众很幸运,因为伦敦爱乐将这个三年前新年音乐会上的遗珠之憾变成现实,转化为了对昨晚所有在场观众在2018年元旦夜最诚挚的新年祝福。

 

        最后,敌不过音乐厅里满场观众的兴奋劲儿,佩特连科又再一次回到舞台上,指挥乐队加演了一首勃拉姆斯的《匈牙利舞曲第五号》,并且还谐趣地不时转向观众席,以带动起台下观众的鼓掌积极性。应和着时而激越、时而轻盈的舞曲音乐,全体观众回馈以配合默契、音响有别的掌声伴奏,令昨晚这一元旦夜的节日氛围特别融洽。既然天下没有不散的筵席,那就让我们在来年的新年音乐会,在2019年的元旦夜再聚深圳音乐厅吧!

 

   (王磊/摄影)

 

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大众乐评:唱艺术歌曲的歌剧传奇

时间:2017-11-22 02:03 PM 分类:大家评乐 作者:汪贝贝

        被誉为“21世纪的帕瓦罗蒂”的乔纳斯·考夫曼是我十分喜爱的抒情戏剧男高音,一直盼望可以听到他的现场演唱。自从2016年10月3号考夫曼发表声明:“因为过劳挫伤,声带受损,已取消所有演出,无限期休息,直到声带全部康复才可能复出,以避免不可逆转的声带损伤”的消息后,听现场的愿望则更加强烈。然而在2017年11月11日深圳音乐厅,笔者有幸首次听到他的现场演出,这让笔者十分兴奋。这场独唱音乐会是2017年考夫曼首次来华的演出,可见深圳音乐厅十周年演出季的重磅程度。

        因来到音乐厅时演出即将开始,于是匆匆的拿了节目单,还未来及看便冲向了听众席,坐下后细细看来:节目单封面除了有英俊迷人的考夫曼半身照外,还有如大家所期望和评价的一样——“歌剧传奇”四个大体字,当然他本人是绝对称的上这个称呼的,因为从2006-2007年音乐季饰唱《卡门》中的唐·何塞起,便被众多乐评家和听众喜爱,他既是抒情男高音,又是戏剧男高音,精通德、意、法歌剧作品,剧目广泛、多才多艺。然而打开节目单看到音乐会曲目时,跟我预想的却有些偏差:曲目全部是艺术歌曲!

        于是疑问来了,一个唱歌剧出身的男高音,为何一整场独唱音乐会中居然没有一首歌剧选段,却是清一色的艺术歌曲呢?带着这个疑惑和好奇心,音乐会开始了。

 

 

        听完整场音乐会,我认为考夫曼已不仅仅是演唱家,更是一位具有“戏剧性思维”的演唱家,他运用了戏剧的方法为音乐会做了曲目安排。

        首先,从曲目选择的方面来看,其中三分之一的曲目是不常听的曲目,还有三分之一的曲目笔者还未听过。为什么要选择这些相对“生僻”的艺术歌曲,而不是选取考夫曼在行的、大家耳熟能详的歌剧选段呢?考夫曼不怕中国观众因语言、文化等差异而不喜欢,很难产生音乐上的共鸣吗?

        笔者发现,曲目是从五位音乐家的艺术歌曲中选取的。上半场为弗朗茨·舒伯特、罗伯特·舒曼和亨利·迪帕克,这三位都是浪漫主义时期的善于艺术歌曲创作的作曲家。从作品风格来看,选取的舒伯特的4首艺术歌曲,轻松活泼,歌曲结构相对规整简单,音乐情感相对单一简单,很像一位“少年”,喜怒显露于色;而舒曼的《十二首诗》中选取的5首,歌曲风格多样,结构不再规整,开始有些变化,音乐情感相对内敛丰富,加上舒曼音乐中特有的“思考性”,更像是一位正经历人生波折坎坷的“中年男子”,多了对世故和人生的思考;迪帕克的4首艺术歌曲则更加注重艺术歌曲中诗歌所要表达的意境,音乐更加的细腻入微,歌曲结构模糊,音乐旋律带给观众一种空灵、安逸、祥和、宁静的感觉,宛如一位“老者”,回顾着充满欢乐、悲伤、激情的往日,然后释然的一生。上半场结束后,笔者并没有感觉自己是在欣赏一场艺术歌曲,每首歌曲之间没有“跳脱感”,每个阶段(每位作曲家)的风格又十分突出和鲜明,这更像是一部描绘“人的一生”的音乐戏剧,一幅人从少年走到中年、再到晚年的音乐画卷。

        中场休息时,笔者十分兴奋,一方面是笔者不用担心因为“近视眼”而不能理解歌曲的感情和意境,因为笔者体会到了考夫曼想要传递给我们的音乐想法和情感;另一方面笔者十分期待下半场,它会带来些什么新的感受。

        下半场的曲目是弗朗茨·李斯特和理查德·斯特劳斯的作品,这两位作曲家的艺术歌曲当然没有上半场的“有名(更多音乐会出现的都是他们的钢琴作品)”,但考夫曼对作品的诠释,使得这些“生僻”的歌曲承托起下半场的重量,这便是人与音乐永恒的主题——“爱”。李斯特的裴德拉克三首十四行诗,音乐在华丽流畅的旋律中隐含着激烈的、纠结的、忧伤的感情,让听众体会到爱的欢乐与痛苦交织矛盾的心理;而施特劳斯的7首艺术歌曲则不是“内心活动”,他回归到了现实,像是在描述自己与心爱的人约会、争吵、交谈等日常,这是真实的“恋爱”。两位作曲家的作品,一位反映内心,一位反映真实,全面的为听众阐释了音乐里爱情的模样。

        其次,考夫曼除了对作曲家、曲目风格、歌曲阐述的内容进行了精心的挑选外,还十分注重“戏剧节奏感”,简单的说,就是曲与曲之间快慢、风格的安排。如舒曼《十二首诗》节选的5首艺术歌曲,第一首(I号)是相对悲伤的、激烈的;第二首(IV号)音乐节奏放慢,音乐变得欢快、跳跃;第三首(VII号)音乐变得诙谐、欢快,节奏为快板;第四首(IX号)突然转为很慢的、悠长的旋律,音乐情感变得丰富;第五首(X)紧接着第四首的情感,将音乐的情绪加浓,逐渐推上高潮。舒曼的5首歌曲,有对比、有冲突、有高潮,在考夫曼的安排下有了“戏剧节奏”,有张有弛,从而使整场音乐会具有了戏剧感。还比如李斯特的《佩特拉克的三首十四行诗》,将前两首调换了位置,先唱II号,再唱I号,这种安排考夫曼一定是有他的考虑,有他的“戏剧思维”,当然带给我们的也是一种带有戏剧特点的音乐体验。

        最后,正是因为考夫曼选择这些不为大家熟知的艺术歌曲,听众才会摒弃以往的音乐经验,从而更加集中注意力去欣赏考夫曼的声音、德伊奇的琴声以及音乐想要传达的情感。考夫曼拥有羡慕嫉妒的丰厚音域,有辉煌的高音,也有有厚度的低音,比如在演唱迪帕克的《菲迪莱》时,音乐的线条跨度很大,并有几个八拍的持续高音,考夫曼用他的声音和音色控制,营造了一种空灵感,宛如天堂的声音,让笔者脑中浮现出一幅安静的、慈祥的老人在沉思的画面。

        当然整场音乐会并不是考夫曼一个人的独角戏,还有古典音乐节赫赫有名的钢琴指导——赫尔穆特·德伊奇琴声的陪伴和指引。德伊奇动人的琴声不仅展现了五个作曲家在艺术歌曲创作中,钢琴织体的不同运用方式,以及在整个浪漫主义时期的传承和演变。同时,钢琴在这场“戏”中扮演着一个重要的角色,他时而像“少年的玩伴”,欢乐活跃;时而像“人生逆境的导师”,深沉内敛;时而像“倾述的对象”,安静的陪伴;时而像“恋人”,纠结悲伤、缠绵甜蜜。

        他俩的合作,就像演了一场好的“对手戏”,给听众带来了一场听觉上的享受!

 

 

        没错,考夫曼是位全面的演唱家,这场音乐会充分的展现了他那让人羡慕的声线、音色和音域,丰富的语言能力,极广的曲目单,俊美的长相,一流的舞台功架,这些都与他的天赋和努力分不开,但这些只能停留在“表演”的层面,若以为考夫曼的优点只停留在这些方面上,就低估他了;这场音乐会还让我们看到一位具有逻辑戏剧思维的男高音,这是十分可贵的,笔者认为这与他常年演出演唱歌剧(戏剧中的一个门类)是分不开的,在笔者心中他已上升为一名艺术家!

        (王磊/摄影)

 

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大众乐评:到这里寻找平安

时间:2017-11-16 02:41 PM 分类:大家评乐 作者:Dorcas

        若是你错过了这个夜晚,错过的就不仅仅是一场音乐会了。

        今年正是深圳音乐厅诞生十周年,在这十年中,听过了不知多少场交响乐、室内乐,钢琴、小提琴,甚至古琴、琵琶等各种合奏、独奏音乐会,也听过不少中外著名合唱、独唱,但第一次现场饕餮了一次艺术歌曲的大餐,而且还是古典乐坛炙手可热的声乐巨擘——乔纳斯·考夫曼,除了他那荡涤人心的声线、无法抑制的激情和竭心尽力的奉上,对外貌协会的来说,更是一大损失了。

        很早就听一位钢琴家极力推崇过艺术歌曲,这晚简直就是坐在了米其林三星餐厅的感觉,每一道菜上来都让人惊艳。

 

 

        侧门一开,现场已是掌声雷动,帅呆了的考夫曼,挺阔、洒脱地走上来,稍定,一尾轻松、灵动的《鳟鱼》已飘然而出……

        也许有人会问,什么叫“艺术歌曲”?简单说就是“诗的乐、乐的诗”;音乐厅有一句话说得特别好,“我能想到最浪漫的事,就是为你把诗唱成歌”,艺术歌曲就是诗歌与音乐的完美结合。

        这首可爱的《鳟鱼》,是18世纪德国诗人舒巴特的一首诗,当时他因政治因素遭囚禁,在牢狱生活中充满对自由的渴望,于是写出了《鳟鱼》,后来舒伯特将其谱成艺术歌曲。没听过这首歌的人,对它的旋律也一定不陌生。1819年,舒伯特在阿尔卑斯山区度假时,受到赞助人的委托,创作了一首钢琴五重奏,其中就使用了歌曲《鳟鱼》的主旋律,这部作品也由此被称为《鳟鱼五重奏》,成为他室内乐作品中最杰出的代表作。

        有人说,进入莫扎特的世界,要听他的歌剧;而进入舒伯特的世界,则要听他的艺术歌曲。舒伯特是继古典主义时期海顿、莫扎特、贝多芬之后,又一位伟大的作曲家,一生虽然只有短暂的31年,却创作了大量艺术歌曲,因旋律优美、造诣深厚,人们将他称为“艺术歌曲之王”。

 

 

        几乎没有任何停顿,考夫曼直接站在了《菩提树》下,那位远离故乡、在黑暗中行走的流浪汉,好像听见树叶在对他轻声呼唤:“到这里寻找平安!”流浪汉的艰辛、《井旁少年》的欢乐、《艺神之子》的哀叹,几首蕴含强大情绪张力的诗歌,考夫曼以他无比丰富的声音艺术带我们进入了一场“冬之旅”,你可以不懂歌词,但诗意的想象足以将你带入到当下的情境中。

        对舒伯特而言,创作一首歌不是把文字配上音乐,而是把诗歌转化成音乐。他对诗歌天生有一种深刻的理解,同时也拥有将诗句从语言化为音符的表现技巧,数行乐谱就描绘出喜悦的强度或痛苦的深度,而且逻辑严密、短小精悍。

 

        继舒伯特之后的又一位“诗人音乐家”舒曼,在艺术歌曲方面的创作也成就非凡,虽然继承了舒伯特的传统,但艺术表现方面的深度远远超过了舒伯特。他在歌词的选择上非常严格,经常选用歌德、海涅等德国诗人的诗歌,歌曲构思精致、富于诗意,创作上大部分以爱情为主题。舒曼歌曲最大的特点体现在声乐与钢琴的密切关系上,人声和钢琴伴奏相互对答、相互衬托。

        这里不得不提当晚的钢琴伴奏赫尔穆特·德伊奇,真正把舒曼创作的特点表现得淋漓尽致。人声、钢琴——以这种最简单的搭配,走向纯粹的情感表达,他的欢喜、忧伤、畏惧、向往、冲动、安宁……

        舒曼说,“在人的一生中,我们已达到的目标不再是目标,我们渴望、挣扎,向往的越来越高,直到死亡令我们闭上双眼,让饱受风雨袭击的身体和灵魂在坟墓中安眠”。

        我想,考夫曼对这些诗歌、乐曲有着多么深邃的感悟,确切地说,是对生命的领受,才有如此深沉的演唱,不高冷、不炫技、不张扬,他的歌声像湖中的天鹅、空中的飞鸟,优雅、舒展、流畅,从容到达那至臻的境界……演唱间隙,不时有观众禁不住向考夫曼大喊,虽然听不懂德语,感觉一定是“我爱你”之类的,他谦卑地向大家鞠躬致意。

 

 

        舒曼的《十二首诗》中节选了五首,最喜欢《风雨夜的欢乐》和《沉默的眼泪》,常常是声音止了,气息还在袅袅徜徉……之后是亨利·迪帕克的四首,下半场亦是大家较为熟悉的弗朗茨·李斯特和理查德·施特劳斯的作品,又唱了十首。考夫曼似乎越唱越兴奋,毫无疲倦之感,每一首歌都是那么专注,或沉静、或温存,或轻盈、或稳健,唯有一样是共通的,那就是纯粹,这是一个人的幻境,从世俗的藩篱中挣脱出来,对音乐的领悟更澄澈,对艺术的表达更透明,一种无与伦比的美。

        整整23首歌,在这样的一场盛宴之后,怎么还可能加演呢?观众都站起来为他鼓掌,久久不肯停下;考夫曼一次又一次出来谢幕,不知道是不是深圳的观众太爱他,还是他被大家的热情所感动,加唱一首、再来一首。

        终于心满意足地离去,没想到他再次出现,站在大厅的大屏幕前,我得已仔细端详他大卫雕像一般的脸,头上的卷发是一圈圈银白的光,额角都是细密的汗珠,最让我动容的是,他的眼睛里闪着泪光,举目向上,那是一种极深的敬拜,天、地、人,合一,这才是艺术真正的辉煌。

        我爱音乐厅,是因为只要来到这里,就可以将所有的喧嚣关在外面;在考夫曼的歌声中,我的心是那么地平静安稳;世间所有美妙的声音,都抵不过他所造的人声这么至美至纯……

        (王磊/摄影)

 

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大众乐评:“歌剧传奇”乔纳斯·考夫曼深圳展现巨星魅力

时间:2017-11-16 10:47 AM 分类:大家评乐 作者:左驰

        11月11日(周六)晚在深圳音乐厅,红遍全世界歌剧演出舞台的德国男高音乔纳斯·考夫曼(Jonas Kaufmann)登台献唱,在全场观众面前一展巨星魅力。这场音乐会引起了深圳以及周遭地区格外强烈的关注和反响,现场观众们被考夫曼纯正的德奥声乐艺术所彻底折服,为他炉火纯青的德奥艺术歌曲演绎而倾倒。

 

 

        清一色的19世纪浪漫主义时期德语区伟大作曲家(迪帕克除外)的艺术歌曲选,当晚的这场独唱音乐会有着堪称诚意满满的曲目编排。但值得一提的是,在1600多座的大音乐厅里演唱整场艺术歌曲,这既彰显出艺术家本人的绝对实力和完全自信;同时也体现了演出主办场地的非凡音乐品味与成熟艺术担当。要知道,即便是在西洋古典音乐的德奥地区,像深圳音乐厅当晚这样敢于在大音乐厅里举办的全场艺术歌曲独唱音乐会,也无疑是极为罕见的。
        纵观整场音乐会,考夫曼都保持着一成不变的直立站姿,腰际微微靠在钢琴琴身的中部。沉着稳健的现场演唱中,只有左右手时而抬起,时而放下的外在肢体语言表达,没有任何其他自作多情、繁冗复杂的多余动作。整个演出过程当中,考夫曼台风之稳定,令人叹为观止。

 

 

        当晚的音乐会以德国作曲家弗朗茨·舒伯特的四首艺术歌曲开场,第一首《鳟鱼》作品编号D.550名声在外,歌曲截取了同名作品《鳟鱼五重奏》里最著名的音乐主题。考夫曼刚开口时,声音并不大,但音乐的强大气场却扑面而来。第二首是选自作曲家声乐套曲《冬之旅》的“菩提树”,考夫曼的演唱轻柔动人,地道精准的德语发音,在每一乐句结束时尾音清吐出“t”的发音里表现地尤为明显。第三首《井旁少年》作品编号D.300最让我惊叹的,依旧还是跟上一首如出一辙的考夫曼在乐句尾声巧妙而精致的收音。第四首《艺神之子》作品编号D.764则是一首情绪高涨、气氛欢欣的艺术歌曲。
        上半场舒伯特的四首艺术歌曲过后,接下来是德国作曲家罗伯特·舒曼的《十二首诗》节选作品编号Op.35,其中《流浪汉》(作品之七)节奏明快、《问题》(作品之九)技巧相当难,明显感到考夫曼拔高了音量,演唱过程里德语发音当中舌音和吐音的表现非常漂亮,声带与胸腔的共鸣突出,可谓相当精彩的演绎。
        当晚,考夫曼所选取亨利·迪帕克的四首法国艺术歌曲是这位作曲家最杰出的代表作。《航行的激情》,这首艺术歌曲前半段很舒缓,后半程考夫曼开始渐次发力,钢琴伴奏的滑音很精彩。《罗莎蒙德的庄园》里有高亢清晰的演唱,考夫曼与钢伴有着极佳的配合。《忧郁之歌》是一首美轮美奂的艺术歌曲,考夫曼在这首当中有用到假声唱腔。《菲迪菜》是一首情感很细腻,使用轻声弱音演唱的艺术歌曲,该曲在结尾处留予钢琴伴奏余音袅袅的延续发挥。此曲描绘的其实是男欢女爱的现实场景,歌词当中有着对女性曼妙身姿的细致刻画,考夫曼的演唱准确到位,抒情性与戏剧化并存。

 

 

        下半场的音乐会,以长期旅居德国魏玛的匈牙利作曲家弗朗茨·李斯特用意大利语演唱的《彼得拉克的三首十四行诗》作品编号S.270开场。正当第一曲准备开始前,出现了一个意外的小插曲:从观众席背侧面突然传来一位女士“Jonas, Ich liebe dich. Jonas, I love you”的惊声表白。只见舞台上的考夫曼处变不惊,以轻轻点头作为回应,同时还抱以这位女士羞涩大方的微笑。《无法安宁,也不愿争斗》(作品之一)这首作品很长,而且难度颇高,有着音域广阔的特点。通过该曲,考夫曼全面展现出了他个人精湛的艺术歌曲演唱技巧,以及他音乐艺术情感的精到一面。
        李斯特的三首歌曲过后,理查·施特劳斯《秘密邀约》、《少女,这有什么用》、《蔓延在我头上的黑发》、《我爱你》、《解救》、《一个愉快的愿景》、《塞西莉》依次被演唱。在这七首艺术歌曲的现场演唱当中,考夫曼在继续卖力演唱之余,加重了外在肢体语言的生动表现。

        在全场正式曲目演唱完后,现场的热烈气氛被内心激动的在场观众给彻底掀起。在一轮轮热情高涨的喝彩当中,几度返场谢幕的考夫曼连同钢伴,连续加演了三首,且分别是普契尼歌剧《托斯卡》咏叹调“星光灿烂”、雷哈尔轻歌剧《微笑王国》咏叹调“你是我心中的一切”和理查·施特劳斯艺术歌曲“奉献”。这是属于德奥声乐艺术的深圳完美之夜,精致温和的德奥艺术歌曲,或许比之使用意大利语演唱的经典歌剧咏叹调,在戏剧性和爆发力上都要有所不逮。但考夫曼偏偏却使用自己平静当中带有强大艺术杀伤力的温柔吟唱,利用最轻巧的作品演绎,彻底征服了音乐厅当晚所有的到场观众……
        (王磊/摄影)

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大众乐评:听觉视觉的清流 声乐艺术的珍宝

时间:2017-11-16 10:17 AM 分类:大家评乐 作者:丁中元
 
        在各种国际天团扎堆来临之际,今晚毫无疑问的选择深圳音乐厅十周年之《歌剧传奇-乔纳斯考夫曼独唱音乐会》无疑是必须做定的选择。这位从来没有来过中国的歌剧当红巨星,吸引了各路粉丝提前做好各种准备。香港艺术节总裁带着一众专家专程前来,舍弃了今天下午五点在港火热的柏林爱乐演出。说如果不是柏林爱乐的时间和考夫曼的时间冲突,会来更多的香港粉丝。
 
 
        声乐的RECITAL和着一架钢琴,不是能轻易争取一般观众捧场的组合。考夫曼作为目前当红的国际一线巨星,也没能令深圳音乐厅高朋满座。但是,来的都是专业人士和具有对男神绝对真爱的吃瓜群众。曲目安排上颠覆对男高音独唱音乐会的想象,相对于他在上海与乐队合作,全部是歌剧咏叹调的唱段,基于整体项目成本乐队档期和水准问题,在深圳全部安排了德法艺术歌曲专场。这个安排完全是用纯正的自身德国血统诠释了最纯粹的德奥艺术歌曲精髓。相对于意大利的那波里小调,今晚听到的艺术歌曲既富于诗意也有戏剧的冲突,更凸显了德奥系音乐的戏剧性和哲学思考。开场舒伯特的鳟鱼和菩提树是非声乐专业人士熟悉的曲目,在音乐会的开场彷佛清新的头盘,奠定了整场音乐会的艺术风格。钢琴盖板完全打开,也预示着这位非凡的男高音的声音是如何不惧和气度不凡。虽然鳟鱼的伴奏声在开始有点略抢戏,但是迅速调整到配合考夫曼的音量,非常舒适的行走下去。整体曲目编排按照时下最流行的选择组曲或者套曲,凸显作品的艺术特色。编排上又按照严谨的情绪发展和脉络形成了成为整体的奏鸣曲式的稳固结构。轻松就勾勒出整个音乐的画面感和音乐线条。舒伯特和舒曼之后,用法语演唱的迪帕克的四首作品。迪帕克的歌曲不像舒伯特和舒曼用大诗人的诗歌作为歌词,而是沿用同样的诗意和戏剧性将法语的优雅发挥到极致。下半场的李斯特和施特劳斯的作品无疑是更加渐入佳境的递进式安排。意大利语演唱的裴特拉克的三首十四行诗,顺序采用213,情绪和结构上更觉得整体的线索和线条美感。最后的施特劳斯的七首歌曲,更是全方位的展现这位巨星的超凡实力。《解救》里的由远及近由弱到强的长音及其震撼。《塞西莉》的恢弘气势和金属般光泽的嗓音带来的巨大的能量。
 
 
        观众疯狂的喊着、鼓掌更有热情的女歌迷在台下送花送礼物盒求抱抱的,现场嗨翻了。加演曲目一首接一首完全停不下来,施特劳斯的《奉献》、佛朗兹 莱哈尔微笑之国的《你是我的一切》、普契尼托斯卡的《星光灿烂》,更潇洒大气一气呵成。大致原因有这几个:考夫曼用扎实的功力和勤勤恳恳的态度,展现了他更为非凡的实力。这个具有英雄般气质的男高音除了能驾驭瓦格纳的歌剧作品,不仅是能够穿越庞大交响乐队的英雄男高音,对更需要精准咬字和精细处理打磨的艺术歌曲演绎的完美至极,听惯了大鸣放的歌剧,弱音和细腻的音响是更具吸引力的艺术境界。第二、歌剧界的男神一般唱的好的基本看不得,油腻中老年是多数,但考夫曼打破了这个魔咒,很fit的目测具有183的高度和高颜值,轻易就俘虏了大量痴情女粉丝。第三,钢琴伴奏DEUTSCH先生绝对也是一颗经过岁月沉淀和具有超高艺术技艺的钢琴伴奏家。整场和考夫曼的配合天衣无缝。甚至剥离唱段听伴奏都彷佛进入听独奏音乐会的效果。
        (王磊/摄影)
 

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大众乐评:维也纳爱乐乐团:古典音乐最璀璨的光华

时间:2017-11-7 03:41 PM 分类:大家评乐 作者:左驰

 

        在国内的高雅艺术演出市场上,能够真正做到每一场演出都一呼百应,并且每一次造访都得以形成轰动效应的艺术团体,应该说是寥寥无几、屈指可数的,而作为维也纳爱乐乐团便很幸运地荣立其中。

 

        时隔三年的又一次访华,维也纳爱乐乐团在著名拉脱维亚籍指挥家安德里斯·尼尔森斯的带队下,于这月19日从深圳始发,正式启动了他们最新一轮的中国五城市巡演。

 

        今年正值深圳音乐厅的10周年庆,作为深圳音乐厅,这座深圳的文化地标,不知不觉已经悄然屹立10年有余,潜移默化当中她正深刻改变着这座城市的高雅艺术氛围,以及广大深圳市民的整体审美品味。

 

        10年前,还在念大二的笔者,从深圳音乐厅揭幕伊始,便亲历了一场又一场的重磅演出。可以说,笔者是亲眼看着深圳音乐厅一步一步走过来的,作为一名见证者,因为她在长期运营过程当中所取得的成就而欢欣鼓舞;同时作为一名爱乐者,因为她10年里孜孜不倦所呈现出的一场场精彩演出而心满意足。值此10周年庆典之际,深圳音乐厅以深圳建市以来最高规格的古典音乐会——两场维也纳爱乐乐团音乐会,回馈广大深圳乐迷,也掀起了深圳音乐厅10周年生日庆典演出的最高潮。

 

        作为笔者有幸先睹为快,于19日和20日连续两晚在深圳音乐厅亲历了维也纳爱乐乐团的盛大演出。满怀着“朝圣”般地心情步入音乐厅欣赏这一连两场来之不易的音乐会,远道而来的这支声名在外、闻名遐迩的“王者之师”着实没有令人失望。第一晚所带来的贝多芬《F大调第八交响曲》和理查·施特劳斯《英雄生涯》,在曲目的编排上欢欣与深刻并重。指挥家尼尔森斯执棒下的维也纳爱乐乐团演绎出的“贝八”驾轻就熟,极尽作品内在的欢愉、轻松和灵动,外在的极致音响效果扑面而来、摄人心魄。作为晚期浪漫派德奥作曲家最重要代表人物之一的理查·施特劳斯,在他的这部编制巨大、篇幅宏大的长篇交响诗当中,倾注了对人生和命运的严肃思考,赋予作品时而沉重、时而华丽、时而激越、时而悲壮的细腻音效。维也纳爱乐乐团的现场演绎令人叹为观止,尤其值得称道的是演出当晚在深圳音乐厅的舞台上担任乐队首席的Volkhard Steude先生,作为维也纳爱乐乐团现有的四位乐队首席之一,他在《英雄生涯》里的大段小提琴独奏技惊四座。在笔者看来,他演奏时的表现不卑不亢,琴声干净纯洁、细致动人,完全不必刻意地去炫人耳目,就早已让人直观感知到了他拉琴时的匠心独运和游刃有余。

 

        20日同在深圳音乐厅的第二晚演出,尼尔森斯再度携手维也纳爱乐乐团带来了有别于前一晚,风格迥异的一套曲目:贝多芬《莱奥诺拉》第三序曲、理查·瓦格纳《特里斯坦与伊索尔德》前奏曲和“爱之死”、贝多芬《A大调第七交响曲》。开场的贝多芬《莱奥诺拉》第三序曲,维也纳爱乐乐团在现场的演绎上似乎有所保留,这种保留体现在了当晚乐队音响的有所节制之上,呈现出的是区别于前一晚致力于将乐队音响展现到淋漓尽致的,另一派克制、含蓄、内敛的音乐艺术进路和作品诠释趋向。瓦格纳歌剧《特里斯坦与伊索尔德》的前奏曲和“爱之死”常常被拿来在音乐会上搭配上演,维也纳爱乐乐团针对该曲的演绎可谓穷尽了浪漫主义音乐的风格极致,现场的音响缠绵悱恻、凄美伤感、荡气回肠。

 

        第二晚音乐会下半场的“贝七”无疑是国内观众喜闻乐见的经典曲目,维也纳爱乐乐团当晚的现场演绎一气呵成、势如破竹,整个作品的演出过程当中并没有留予全场观众太多的喘息机会,而是借以披荆斩棘般地凌厉音响直击心扉。特别是“贝七”的末乐章,这段被形容为“酒神狂欢”的终曲乐章,在指挥家尼尔森斯兴致盎然、生机勃勃的作品处理之下,一路狂飙突进、直达高潮。伴随着头一晚正式曲目演出结束后,大方加演的约瑟夫·施特劳斯《谵妄圆舞曲》和小约翰·施特劳斯《电闪雷鸣波尔卡》;第二晚尼尔森斯和维也纳爱乐乐团同样毫不吝啬地将小约翰·施特劳斯《春之声圆舞曲》和《电闪雷鸣波尔卡》作为加演作品,回馈给了当晚深圳音乐厅全场爆满的现场观众。

 

        成立于1842年的维也纳爱乐乐团是古典音乐这一西方高雅艺术伟大传统的重要见证,更是这种伟大传统的光荣继承和有机延续,这份古典音乐最璀璨的光华,相信也值得我们国内业界同行的一致瞻仰、共同学习和齐心借鉴……

 

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大众乐评:深圳交响乐团客座指挥亚龙·戈特弗里德的浪漫与古典

时间:2017-11-7 03:09 PM 分类:大家评乐 作者:左驰
        伴随着月初中东欧四国巡演凯旋而归的强劲势头,以及在刚刚过去的10月14日,第二十届北京国际音乐节开幕式演出之国内九大乐团“马拉松音乐会”上震撼亮相所赢得兄弟乐团与业界同行的一致盛赞。
 
        上周五(10月27日)晚,深圳交响乐团在以色列籍客座指挥家亚龙·戈特弗里德(Yaron Gottfried)的执棒下,携手俄罗斯小提琴家谢尔盖·多加金(Sergei Dogadin),在深圳音乐厅为本地观众上演了一场技惊四座的乐季音乐会。
 
 
▼ 以色列籍客座指挥家亚龙·戈特弗里德
 
 
▼ 俄罗斯小提琴家谢尔盖·多加金
 
 
        当晚这场音乐会在主题上以“斯拉夫的浪漫融合德奥的古典”,即以柴可夫斯基《D大调小提琴协奏曲》(下文简称“柴D”)搭配门德尔松《A大调第四交响曲“意大利”》(下文简称“门四”)。两部作品在曲目编排上既有着乐队编制都相对小巧的共通点,又存在不同民族音乐之间、浪漫派与古典风格之间艺术对比显著的差异性。
 
        上半场的“柴D”,担任小提琴独奏的是去年在上海所举办的第一届艾萨克·斯特恩国际小提琴比赛上斩获银奖的29岁俄罗斯小伙多加金。当晚他那富于歌唱性的小提琴独奏令人拍案叫绝,尤其是他对于作品首乐章的处理,可谓自然连贯、一气呵成。
 
 
        在客座指挥戈特弗里德简明扼要的拍点和提示下,场上乐队给予了独奏家以恰到好处的作品协奏;乐队的整体音响既坚实有力、厚重醇郁,又不至于让人担心说会声音大到了要盖过独奏家琴声的地步。而当晚与其说多加金是在拉琴,倒不如说他是在“吟唱”,作为小提琴协奏曲的“柴D”就好比是一首对他来说早已内化于心的“斯拉夫民歌”。一曲结束后,三度返场谢幕的多加金,又为全场观众加演了一首帕格尼尼随想曲。在完美兼顾到各种眼花缭乱的小提琴炫技技巧之余,该曲的演奏还被他赋予了更多丰富多彩的难得音乐性。
 
 
        下半场的“门四”,据说对于当晚台上的深交而言是一次该作品的首演。这部作曲家门德尔松青年时代的游历之作,尽管已经透出了某种浪漫派音乐的艺术气息和风格特性,但总体上依旧还是一部作品风格严谨、规整的古典主义交响曲。
 
        戈特弗里德全程背谱指挥,延续着上半场他那动作手势简洁明了、点到即止的指挥风格。台上乐队给予了这位指挥家以近乎完美的音乐反馈,整个乐队的弦乐声部细腻动人、木管声部欢脱灵动,铜管声部则熠熠生辉、散发光泽。针对这部作品的演绎,当晚的深交足够令人信服;无论是对作品风格的整体把握,还是对作品细节的挖掘处理,场上乐队无疑都相当自信地彰显出了,作为一支目前在国内具有业界领导地位的优秀职业乐团的卓越音乐素养。
 
        特别值得一提的还有,像“门四”这样的古典交响曲,在当下早已鲜少被搬上舞台公演,因为一来这样的作品即便是演好了甚至都还不一定能出效果,二来演不好的话则反倒容易露怯。但殊不知,恰恰是这样的古典交响曲才真正是针对乐队训练、音色塑造、水准提升的“秘方良药”。所以,从这个侧面切入,我们对作为深交在规划和制定乐团常规音乐季节目上的良苦用心,由此可见一斑。而这种良苦用心则集中体现于乐团每一场演出在相关曲目设置上,一是要考虑到市场接受度和观众的反响,二是要顾及到乐队自身的艺术建设与音乐发展。
 
        在新团长、新总监和新首席的全新“三驾马车”的艺术引领之下,一年多时间过去了,焕然一新的深圳交响乐团在这一年多时间里,所取得的成绩是有目共睹的。乐团如今正行驶在了一条愈发职业化、国际化和正规化的音乐艺术发展快车道上。作为一名听着深交音乐会长大的乐团最忠实的乐迷,笔者着实备受鼓舞,同时也为深圳能够拥有这样一支自强不息、不断奋进的一流职业乐团而深感骄傲!
 

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大众评乐:维也纳爱乐乐团惊艳深圳

时间:2017-10-26 09:27 AM 分类:大家评乐 作者:左驰
        10月19日晚,举世闻名的维也纳爱乐乐团在著名指挥家安德里斯·尼尔森斯的率领下,从深圳始发,正式开启了乐团最新一轮的中国巡演。作为深圳音乐厅的十周年巨献,维也纳爱乐这次的首访,引发了深圳古典音乐演出市场上前所未有的强烈轰动。
 
 
        从当晚深圳音乐厅舞台的乐队摆位上看,维也纳爱乐特意将乐队的大提琴和低音提琴声部跟第二小提琴声部做了互换的调整,借此来突出当晚贝多芬《F大调第八交响曲》(“贝八”)和理查·施特劳斯《英雄生涯》两部作品里格外吃重的乐队大提琴声部,尤其是大提琴首席的独奏。
 
 
        音乐会上半场以“贝八”这首贝多芬九部交响曲当中最短小精悍,并且轻松愉快的交响曲作为开场。抱着朝圣般地虔诚心境前来聆听这场音乐会的笔者,从听到台上乐队发出的第一个音开始便彻底释怀解脱了,那一刻也意识到了这将会是一场足以载入深圳古典音乐演出史的盛大音乐会。“贝八”首乐章里,最令笔者印象深刻的是台上那位高龄的巴松首席,他的独奏段落表现出了一种从骨子里散发的音乐自信,对巴松音色的把控精准到了令人畏惧的可怕程度。紧接着“贝八”的次乐章,维也纳爱乐充分展示出了这支乐队的弦乐声部之美。那种弦乐的质感,好比一块由内到外都拥有着精致设计的劳力士金表,雍容华贵、深刻隽永。当晚这个乐章的演奏着实美得让人窒息,恍惚间让人有一种当即置身于维也纳的街头巷尾,肆意徜徉在德奥艺术荣光之下的真实感触。接下来的“贝八”第三乐章,乐队大提琴首席、单簧管和维也纳号(注:维也纳爱乐所使用的“圆号”有别于一般的“法国号”,他们所使用的“圆号”叫做“维也纳号”)之间的对话乐段窃窃私语、细腻动人。该乐章下半段,两次弦乐声部齐奏当中的vibrato(颤音)犹如天外之音,听之叫人浑然忘我、心旷神怡。“贝八”末乐章当中,作为巴松首席的那位白发老爷爷二度出彩, 吹出的两段吐音坚实沉稳、熨帖自然。在指挥家尼尔森斯的绝对掌控之下,乐队在音乐力度上的几次fortepiano(强后突弱)做到了无缝对接、不露痕迹的惊人艺术地步;终乐章作品第一主题的再现和反复,一切都尽在他的把握。就维也纳爱乐而言,面对如此熟悉的一首贝多芬交响曲,乐队却又能够做到心悦诚服,完全听命于当晚台上指挥家尼尔森斯针对每一个乐句的指示刻画和音乐处理,这种对德奥经典作品的权威演绎及诠释,早已达到了一种从心所欲不逾矩的超然艺术高度。
 
 
        当晚音乐会的下半场以浪漫派晚期奥地利作曲家理查·施特劳斯的长篇交响诗《英雄生涯》作为主打,这是一首卷帙浩繁、波澜壮阔的交响诗,经过中场休息重新上场的维也纳爱乐倾巢出动,动用了四管编制的超大乐队。作品的第一乐段“英雄”,以中提琴和大提琴声部温暖坚毅的齐奏开场,第二乐段“英雄的敌人”里,乐队木管声部的接连独奏叫人眼前一亮。第三乐段“英雄的爱侣”当中,担任台上乐队首席的Volkhard Steude把大篇幅的独奏段落拉出了如诉衷肠之感,音乐情感的细致深沉、音色上的高贵纯净简直超乎想象。此乐段完全可以看作是一部微缩化了的供乐队首席演出的小提琴协奏曲,还有一点值得注意的是,这一乐段里台上小号声部有三名乐手悄然起身离座移步后台。在上一乐段以静谧的竖琴声部拨奏结尾后,第四乐段“英雄的战场”随即以长笛声部音色俏丽的吹奏起始,移步后台的三支小号随后发出两次音感遥远的齐奏,仿佛是在吹响那英雄战斗的号角,台上乐队圆号声部的九支维也纳号接而响应。当晚维也纳爱乐的小号和维也纳号两个声部音色通透、极富光泽,演奏上毫无铜管乐器惯常所有的生硬和唐突。乐队打击乐声部小军鼓的敲击声,更是带出了这一乐段在音乐情绪上的慑人气魄。在该乐段当中,乐队各个声部的音色尽管都混杂在了一起,但是每个声部却都又清晰可辨、互相融合。第一乐段“英雄”的主题再现,乐队五支小号和九支维也纳号的音色稳定而一致,又是一段竖琴的拨奏收尾。第五乐段“英雄的和平业绩”里,两把竖琴的音色衬托和乐队大提琴声部的弱奏铺垫,可谓相得益彰。最后是作品第六乐段“英雄的遁隐与功德圆满”,在这个乐段当中,作曲家理查·施特劳斯利用他那哲思化的音乐语汇,内在地彰显出了一种超脱出世的艺术观、人生观以及价值观。终曲尾声处,弦乐声部和铜管声部的弱奏,全然是一种升华;乐队首席又一次的大段独奏后,定音鼓、木管和铜管的声部齐奏道出了一派最终的人生况味,欲言又止、回味悠长……
 
 
        《英雄生涯》这部作品全面展示出了维也纳爱乐每一个声部,甚至于每一件乐器的精致和优良,听感上有如一次交响乐的“大阅兵”,音乐上的强劲震慑力扑面而来、直抵人心。作为当晚的维也纳爱乐乐团,毋庸置疑是这部作品的最佳代言人(乐团),透过这部作品展现出的是作曲家的一段个人奋斗史、一幅波澜壮阔的宏伟人生画卷。相信会让演出当晚深圳音乐厅内的每一位在场观众都反躬自省、若有所思……
        在满场观众经久不息的如雷掌声下,指挥家尼尔森斯携手舞台上的维也纳爱乐,毫不吝啬地给予了深圳观众两次加演——《谵妄圆舞曲》、《电闪雷鸣波尔卡》。对于前者,乐团是想通过约瑟夫·施特劳斯的经典圆舞曲传达出维也纳作为一座音乐之都的艺术气质;而对于后者,这首小约翰·施特劳斯所创作的招牌波尔卡舞曲,无疑更是乐团的看家本领、拿手好戏,借此作为最后一首加演作品替当晚的音乐会作结,确实是再适合不过了。这一晚,维也纳爱乐乐团惊艳深圳,美妙的德奥音乐令那夜无眠……
 
 

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大众评乐:维也纳爱乐:德奥经典的最佳诠释者

时间:2017-10-21 09:59 AM 分类:大家评乐 作者:辜晓进
        蓄着络腮胡须、身体略有发福的安德里斯·尼尔森斯穿一身黑色套装走上台时,与深圳音乐厅随处可见的海报上的他已判若两人。当他蓦然挥棒,贝多芬《F大调第八交响曲》(Op 93)主要由弦乐构成的第一个音符响起,他那略显夸张的动作和丰富的肢体语言,才令人与之前他的活跃形象产生了勾连。
 
 
△指挥:安德里斯·尼尔森斯
 
        乐迷们期盼已久的维也纳爱乐乐团2017年中国巡演的第一站音乐会,19日晚在深圳音乐厅拉开帷幕。乐团没有安排暖场曲目,直接以“贝八”占满上半场。“贝八”被认为是贝多芬九大交响曲中较为另类的作品,其“小清新”的风格和幽默诙谐的旋律特点(突出表现在第二和第四乐章),确实鲜见于贝多芬其他交响曲。声名日隆的少壮派指挥家尼尔森斯,此次以弦乐和管乐大约四比一的比例组成“贝八”的演奏阵容,并适当强化了音乐的强弱呼应,令旋律在更广阔的空间流淌跳跃。在他的率领下,庞大的弦乐声部以饱满、丰富、凌厉的演奏给出了令人信服的“维也纳”水准。
 
 
        当晚的重头戏在下半场。上半场木管、铜管、竖琴、打击乐等声部空缺的坐席被统统补齐,100多人的增强三管编制乐队黑压压铺满了深圳这梯田式音乐厅的整个舞台。理查·施特劳斯最后一部交响诗《英雄的生涯》(Op 40)以低音声部深沉的旋律开启,随即进入昂扬而充满活力的英雄主题。经上半场热身后已完全兴奋起来的乐队,面对难度明显超过“贝八”的该作品,呈现出更加完美的表演状态。在指挥大幅度的调动下,圆号、中提琴、木管等各声部旋律此起彼伏,相互穿插,从不同侧面雕琢着“英雄”的轮廓,同时营造出宏阔壮丽的音乐氛围和跌宕冲突的戏剧张力。在前两个乐章中,坚实而清脆的铜管声部为音乐搭建起棱角分明的骨架,而弦乐则在多个段落表现出清澈透明、有较高辨识度的“维也纳之声”。
 
 
        要特别提到乐队首席的独奏部分。理查·施特劳斯在第三乐章专门为小提琴写了大块的独奏段落,用以表现“英雄爱侣”的似水柔情和坚韧意志,对演奏者有很高的要求。可以说,没有一个能承担高水平独奏任务的乐队首席,就无法完成《英雄的生涯》。这次的首席Volkhard Steude不负众望,拉得柔美,飘逸,灵动。音量控制得当,一些敏锐的细节虽稍纵即逝却能穿透时空直抵心田。连续双音、琶音跳弓等技术表现也完美无瑕。更重要的是,独奏小提琴并不过分追求特立独行,而是时时与乐队应答呼应,融为一体。
 
 
        据组织此次巡演的“吴氏策划”透露,Steude其实是“替补”因脚伤临时缺席的原首席而“客串”上场的。笔者查阅“歌剧音乐网”(Operamusica.com)方知,这位出生于1971年的“替补”来头颇大:1994年和2000年先后被任命为维也纳歌剧院首席和维也纳爱乐乐团首席,近年则以独奏家身份与世界各大顶级乐团合作演出,难怪独奏起来举重若轻。指挥显然也对他的表现极为满意,音乐会结束后反复与其握手,并一再邀他起立谢幕。
 
 
        作为首站首演,当晚乐团慷慨“安可”两曲,分别为约瑟夫·施特劳斯的《谵妄圆舞曲》(一译《狂放圆舞曲》)和小约翰·施特劳斯的《雷电波尔卡》。维也纳爱乐所特有的圆舞曲和波尔卡节奏,加上现场观众喜气洋洋的欢乐气氛,仿佛维也纳新年音乐会的主场瞬间游移到了深圳。
 
        20日的曲目焕然一新。上半场是两首序曲:贝多芬的歌剧《莱奥诺拉》序曲第三号(Op 72b)和瓦格纳的歌剧《特里斯坦与伊索尔德》序曲与爱之死。在最被乐迷推崇的这首瓦格纳序曲的演奏中,弦乐在圆号和木管的衬托和小号加入后的对比下,清澈透明的质地愈加突出。各声部音乐熔融混合,推动阴郁悲凉的情绪绵绵不绝,挥之难去。而贝氏序曲中一段由一提、二提到中提、大提的轮奏所传递出的绚丽华美的音响,仿佛狮子座密集的流星雨,在我脑海中映射出一片片夺目的光亮。
 
        20日的重头曲目是贝多芬的《A大调第七交响曲》(Op 92)。从这两天尼尔森斯的表现看,笔者和一些乐迷朋友都觉得贝多芬九大交响曲中,“贝七”和他的气质最为契合。在尼尔森斯的指挥棒与维也纳爱乐顶尖乐手的精巧碰撞下,被瓦格纳评论为“舞蹈的顶峰”的“贝七”更加狂热奔放。特别是第四乐章,在欢乐的海洋中,乐队各声部的强大爆发力令人叹为观止。而在优美的第二乐章,乐队则极为细腻地表现出作品微妙柔软的另一面。尼尔森斯全情投入,得心应手,似乎整个身形已成为音乐的组成部分。
 
 
        20日晚同样加演两首施特劳斯家族作品,只不过用小约翰·施特劳斯的《春之声圆舞曲》取代了前晚的《谵妄圆舞曲》。音乐会后,尼尔森斯不顾劳顿,为排着长队的乐迷签名。现场出售的CD是他作为波士顿交响乐团音乐总监指挥该团灌制的肖斯塔科维奇《第十交响曲》。
 
 

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