大众乐评:穿行于黑白之间的立陶宛爵士乐

时间:2018-4-11 10:28 AM 分类:大家评乐 作者:辜晓进

  黑与白,既是对比,更是平衡。颜色用到极致便是黑,这时只有白,才能在天平的另一端最大限度地将黑抬起。这一感觉,也可用来描述4月8日晚在深圳音乐厅上演的“时尚律动·立陶宛”爵士音乐会


  这一感觉首先来自但并不局限于视觉的直观。戴留斯·普劳卡斯爵士乐队的六名乐手走上舞台,三位主旋律乐手——小号和两把萨克斯,身着全黑西装亮相于右侧。彷佛刻意制造一种不对称,中间和左侧的三位乐手——架子鼓、贝司、键盘,皆穿白衣。所不同者,架子鼓上下全白,贝司上白下黑,键盘上白的前半襟为接近黑色的深灰,似乎在体现某种平衡或过渡。


  音乐也如此。上半场6首乐曲,除开场的《混元体》和第三首《之字形》外,对中国听众来说基本都是“无标题”,因为无人知道古赖尔或 Expromtum 代表什么。但对比鲜明的音乐本身在说话:从《混元体》飘逸的小号领奏,到《之字形》剧烈的重金属撞击;从《卢克索》萨克斯的大段炫技,到《古赖尔》合成器的深沉吟唱;都是黑与白的对抗,消解,互融。


  走进音乐厅时,恰见立陶宛国家爱乐协会演出部负责人达纳斯·斯克拉姆塔伊与市外宣办韩望喜主任交谈甚欢,便也参与聊了一阵。谈到当晚将上演的作品,斯克拉姆塔伊评价为既不古老经典,也不特别现代,是一种中间层次的音乐表达。笔者随后听到的乐曲,基本证实了他的描述。演奏中,我们听不到熟悉的爵士乐旋律走向,也很少触碰到无调性或尖利的不协和音。但这些作品的意境无疑是现代的和时尚的。从作品标题、旋律动机到布局结构、和声配器,处处闪烁着时尚的元素和多元的风格。


  下半场与上半场又是一种鲜明的对比,特别是音乐风格由抽象走向了具象。曲目不仅统统成为有标题作品,且明显加大了抒情的成分。《叙事曲》无疑是这一变化的代表。乐曲一开始,便听到钢琴的较为传统的旋律,接着是优美而悲伤的小号独奏。在安静的背景下,其声幽幽,其音绵长,其色纯净。两把萨克斯加入进来后,情绪变得激越,萨克斯的和声不断变化,直至与架子鼓、键盘和贝司共同将音乐推向高潮。《即兴》前半曲都是那位看上去稍稍年长的萨克斯担任主角,其中一段节奏自由的华彩乐段给笔者留下深刻印象。


  压轴曲目《白》也很抒情,据称是乐队创始人普劳卡斯之最爱,也是该乐队每场必演的超级保留曲目,因为这是他为纪念已故的母亲而作(此刻突然联想到皮亚佐拉的《再见诺尼诺》)。小号在这乐曲中再次扮演重要角色,一出声便传递出浓浓的惆怅。接着是小号与高音萨克斯一段优美动听的二重奏。中音萨克斯加入进来后,惆怅的情绪仍在弥漫,直至钢琴进入才风格陡转。


  必须坦言,这个六重奏组合是一支实力强悍、可与当今最高水平爵士乐队比拼的乐队。其实力首先表现在强大的原创能力。当晚连同加演的《开普角》共12首乐曲,全部由该乐队原创,其中大部分(之前在立陶宛音乐信息中心查到的资料是全部)出自乐队创始人、钢琴家兼键盘手戴留斯·普劳卡斯之手。这些作品风格多元,旋律清新,色彩丰富,充满个性,也因此在强手如林的欧洲爵士音乐界脱颖而出。


  实力还突出表现在乐手们的个人技术上。当晚,听众至少领略到小号手拉莫斯卡、萨克斯手拉布提斯、架子鼓布达、贝司阿勒科萨的娴熟演技。如《机器商店》(小号手在介绍此曲时称其为《机器工厂》)中的小号和贝司,《卢克索》中的萨克斯,《Expromtum》中的架子鼓,都有大段充满挑战的炫技段落。特别是贝司那段模仿打击乐的无音符演奏,令场内两次在演奏过程中爆发掌声。乐队灵魂人物普劳斯卡不仅始终掌控着充满即兴色彩的音乐走向,其对电子合成器的运用也出神入化,突破了笔者对一般爵士乐队中键盘表现的认知。合成器在《萨法加》《卢克索》《古赖尔》中均有突出表现,特别是在《渗透》中,居然大段模仿小号音色,而让真正的小号闲置一边,也是别出心裁了。


  在与斯克拉姆塔伊聊天中,笔者谈到爵士乐从当年年轻人喜爱的流行音乐演变为以中老年听众为主的现象。他认为,这和交响乐差不多,随着音乐的普及和作品的进步,年轻人也在不断加入进来。笔者也相信,当晚这些时尚而色彩斑斓的现代爵士乐,正在拉近其与年轻听众的距离。

 

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大众乐评:国乐新魅力:古今融合的创新与想象

时间:2018-4-10 04:17 PM 分类:大家评乐 作者:辜晓进

  说起二胡独奏,人们脑海里可能会出现一连串现当代经典作品:良宵,二泉映月,赛马,江河水,万马奔腾……。但听了3月31日晚在深圳音乐厅上演的“梅兰竹菊国乐专场”音乐会后,对二胡作品的民众印象,可能会被颠覆。


  以“梅兰竹菊”代表竹笛、二胡、唢呐、古筝四大民族乐器的这场音乐会,展现出国乐在继承优良传统的基础上,从作曲、配器到演奏技法、表现形式甚至乐器本身的大胆创新。其中有多部作品发掘自敦煌古谱或古代艺术形象,又以现代的、西方的、先进的作曲手法塑造成型,并在独奏曲目广泛引入钢琴伴奏,呈现出当今民乐创作变革与进化的某种趋势。这趋势能否契合大众对民乐的欣赏新需求?当晚的现场气氛和听众的如雷掌声,似乎已经给了肯定的回答。

 

  回到二胡。第一曲是高韶青创作的《二胡随想曲第五号——纳西》,这是作者多首随想曲中最具探索精神的一首。选此曲而非其他旋律感更强的随想曲,同样体现了这场音乐会的创新定位。而高韶青多年来在将二胡演技与西洋乐器融合以及向西方推介二胡作品方面不遗余力,效果直追3月30日音乐会的主角吴蛮,这个《纳西》就是一例。一段钢琴前奏和曲中屡屡出现的远关系临时转调,就完全是西洋手法。而大量的泛音运用及双音和左手拨弦,则借鉴了小提琴的演奏技法。这给演奏者黄晓晴带来很大挑战。黄作为宋飞大师连续10多年的学生,成功越过了作曲家设下的重重障碍,展现了别样二胡的独特光彩。
 

  由钟耀光同名长笛协奏曲移植而来的《胡旋舞》(戴亚改编)以及朱晓谷的唢呐独奏曲《敦煌魂》,则缘于对古代舞蹈和敦煌艺术的想象,最终演化为较大规模的现代作品。其中,《胡旋舞》是近年在笛子界已有较高知名度的高难曲目,由已经当上老师的学生辈李乐演奏。李乐基础扎实,运用滑音、快速吐音、循环呼吸等吹奏技巧,将神秘的西域风情通过多变的节奏、复杂的旋律呈现给听众,画面感十分丰富。他手中的八孔笛来自老师戴亚的创新,在传统竹笛的六孔上增加两孔,强化了竹笛的表现力,也让闲置了上千年的小手指派上了用场。笔者不由想起30年前见到的南京艺术学院蔡敬明老师发明的带金属按键的“新竹笛”。虽然“新竹笛”后来没有流行开来,但笛子界乐器改革的努力从未停歇,值得尊敬

 

  叶小纲创作的古筝独奏曲《林泉》,可谓清新脱俗,奔涌跌宕,用多种创作手段和高难的演奏技法,将自然界晦明更迭、晴雨接踵、清泉潺潺、恶风猎猎的生动景象加以细致描摹,给古筝的艺术表现带来更多的可能性。宋心馨功底好,善表演,表现出人琴合一、情音互融的美好意象。笔者这一代爱乐者大都听过刘文金的二胡名曲《豫北叙事曲》,此次演奏的是这位民乐大师生前创作的无伴奏二胡二重奏《火·彩衣姑娘》。刘老此曲一改长期延用的传统路线而风格大变,透露其晚年依然旺盛的创新活力。宋飞师徒身着紫、青两色连衣裙玉立演奏,“风吹仙袂飘飘举”,细腻呈现出此曲热烈、浪漫、温柔、含蓄的丰富层次,从作品到台容都给人全新的艺术感受。

 

  也有传统与守成,最传统者莫过于唢呐曲《百鸟朝凤》。虽然自己的老师刘英此次因故未来,但演奏者张倩渊已有足够的气场。她在两把苼的单薄伴奏下,仍将这首作品吹奏得五光十色,风火满台。笛子曲《秦川情》、四重奏《心雨》、古筝曲《汉江韵》等,都是用传统方法创作的旋律优美、民族风味十足的优秀作品。有尚不适应无调性或旋律感不强作品的听众在上半场结束时对笔者说,听到《心雨》,顿觉舒坦。


  三位大师级表演艺术家戴亚、宋飞、王中山的演奏都掀起了高潮。虽然当晚四位获得过金钟奖的优秀学生表现亮眼,民乐后继有人的定心丸含在了听众嘴里,但青出于蓝尚未胜于蓝。三位老师无论是演奏技法、艺术表现,还是心态神情、舞台魅力,以及那种炉火纯青,都令听众拍案叫绝。


  压轴曲目《敦煌回响》,因是此次音乐季的委约作品并“全球首演”而成为当晚最大亮点。由旅美著名作曲家周龙创作的这部二胡、古筝、笛子、唢呐、打击乐五重奏,从敦煌古谱和莫高窟壁画获得灵感,又由西部民歌“花儿”吸取素养,却用现代音乐的创作方法贯穿始终。构成中国传统旋律的五声音阶若隐若现,去调性的旋律和不协和的和弦四处流动。至少七八种打击乐器的轮番介入,强化了作品的多元色彩。纷繁的乐思,无尽的想象,令这首新作在演奏完毕后,仍在笔者心中“回响”。

 

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大众乐评:钢琴之后,声乐弦乐开始发力

时间:2018-3-30 09:13 AM 分类:大家评乐 作者:辜晓进

  在“钢琴之城”深圳,本土钢琴家一直后劲汹涌,人才辈出。而在长期以来较为薄弱的声乐和弦乐领域,深圳的孩子也仿佛突然有了可喜的突破。这是25日晚“深圳骄傲”音乐会给我的深刻印象。


  五位曾获各种奖项、曾经或正在欧美顶尖音乐院校深造的青年才俊(其中三位出生于深圳),先后从深圳走出,又齐齐自海外归来,向深圳的父老、师生、朋友们作了一次精彩的汇报性展示,成为此次音乐季的一大亮点。而他们选择的曲目,大都既富音乐美感,又有高难门槛,可以说代表了他们目前的最高水平。


  这种以小品为主的音乐会,第一个表演者有时会略吃点亏,因为演员和观众都需要一个预热过程,而曲目又相对短小,不容缓缓“入戏”。好在打头炮的是功底扎实、心理素质良好的潘林子,但昭义老师的又一高足,其正在美国柯蒂斯音乐学院跟随格拉夫曼学琴。格拉夫曼因培养出郎朗、王羽佳、张昊辰等世界级的中国钢琴家而在华人圈名声大噪,潘林子的潜力也正在为世人所知。

 

  当晚林子不负众望,将钢琴套曲《彼得鲁什卡》“俄罗斯舞曲”开始数小节的右手连续四音和弦,弹得果决而精准,令这首极具斯拉夫民族狂放风格的作品迅速点燃全场。而中间的快速八度和大跨越的分解和弦等技术障碍也没能难住林子,整个作品完成得酣畅淋漓,无懈可击。后两曲的效果也同样令人满意,如果音乐的起伏再大些,层次更丰富些,可能会更加完美。


  接下来是大提琴独奏,演奏者廖尚文也挑了一个硬骨头来啃。曲目《摩西幻想曲》是帕格尼尼的名曲,曾有包括小提琴在内的多个器乐版本,且每个版本都有令人望而生畏的难点。廖尚文作为深圳本土培养出的杰出大提琴演奏家,第一个乐句就触动心灵。其声音温暖甘醇,悠扬如歌,后面的优美旋律也演奏得动听感人。此曲主要难在大量快速的泛音,包括人工的和自然的,且因把位关系,这类泛音在大提琴上的处理又比小提琴麻烦许多。尚文大多数泛音都完成得不错,加上铿锵有力的断奏和在在琴马附近拉出的嘶哑效果等,表现出较为扎实的基本功。少量泛音演奏失准,可能是现场有点紧张的缘故吧。

 

  在一曲由廖尚文和张炜演奏的小提琴大提琴二重奏之后,张炜开始了自己的独奏表演。这位年仅20岁(可能是当晚演奏家中年纪最小)的年轻人,首先演奏了拉威尔的世界名曲《茨冈狂想曲》。他以令人惊讶的驾驭能力,将这首规模较大、结构复杂、包含多种高难技巧的艰深作品演绎得难以挑剔。无论是 G 弦高把位深沉的抒情段落,还是左右手的同时拨弦以及末段急速的快弓,张炜都表现出了与其年龄不相称的能力。而钢琴家马超的伴奏,对此曲的圆满完成也功不可没。第二曲萨拉萨蒂的《中国花鼓》,对张炜而言就是小菜一碟了。

 

  下半场首先迎来了笔者期盼已久的男中音歌唱家王云鹏。此次他演唱的曲目仍然一中一西,但却与音乐季开幕式上完全不同。田丰版《沁园春·雪》,是所有毛泽东诗词歌曲中最具艺术价值且有较高演唱难度的作品之一。在钢琴家刘思宇的伴奏下,王云鹏的演唱圆润雄浑,辽远壮阔,声情并茂,始终有着饱满的气息支撑,并表达出歌者对诗词意境的较深刻的理解。当唱到“万里雪飘”等高音区时,云鹏仍然保持着强大的胸腔共鸣,男中音的魅力丝毫不减。威尔第歌剧《唐卡洛》中的咏叹调《卡洛,请听我说》,有着宽广的音域,需要多种演唱技巧,云鹏也演绎到位。纽约大都会歌剧院的签约歌唱家,果然名不虚传。

 

  身穿红色连衣裙的董菲菲拿着话筒走上舞台,笑眯眯向观众介绍作品,乍一看还以为是主持人在串场呢。当她落座弹出一串灵动的音符时,人们才猛然意识到,这是又一位功力深厚的钢琴演奏家。曲目是肖邦的《E大调回旋曲》和利伯曼的《奇异石雕》。她演奏第一曲时轻松自然,神采飞扬,与乐曲喜悦浪漫的情绪十分吻合,技术的处理也堪称完美。第二曲的演奏则富有想象力,特别是第三段“激烈的急板”中,在菲菲的双手“抚摸”下,琴声晶莹剔透、均匀流畅,如泉水奔流,一泻千里,给人以很好的艺术享受。


  最后曲目是董菲菲、廖尚文、张玮演奏的门德尔松《D小调第一钢琴三重奏》的第一乐章。对普遍缺乏室内乐训练的中国青年演奏家来说,这部作品的完成也值得点赞。

 

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大众乐评:一场别开生面的博览式音乐会

时间:2018-3-28 03:10 PM 分类:大家评乐 作者:辜晓进

  23日晚举行的“一带一路”国际音乐季开幕音乐会,用令人眼花缭乱的丰富的乐器种类,如艺海拾贝般将东西方经典或新创的优美音乐连缀展示,真个是耳得之而为仙声,目遇之而成炫色。

 

  在关峡热闹而略有克制的《节日序曲》之后,音乐安静下来。英国管吹出那句悲凉的引子时,人们听到了耳熟能详的《辛德勒名单》主题曲,林昭亮用手中那把有300年历史的斯特拉底瓦里名琴“提香”,与乐队共同营造出颇具现场感的忧郁氛围。接着演奏的《流浪者之歌》,他放弃了第三部分加弱音器的奏法,以本色琴声较好地表达出极度悲伤的情绪。在技术方面,林昭亮作为他这个年龄段最杰出的华裔小提琴家,用颗粒清晰的连顿弓、坚实精准的快速跳弓以及基本弹无虚发的左手拨弦等技术,令人满意地服务于音乐主题,让这首名曲又一次得到良好的演绎。
与去年现身宝安国际手风琴音乐节时相比,瓦特尔·里奥斯稍添几分沧桑,不变的是那把皮亚佐拉传给他的班多钮。这位阿根廷国宝级演奏家,轻松自如地演奏了两首皮亚佐拉经典作品《自由探戈》和《再见诺尼诺》,其与乐队的默契配合令人惊讶,因为皮亚佐拉的这类作品都有即兴成分。以《再见诺尼诺》为例,笔者看过多个演奏或视频,包括皮亚佐拉1985年亲自与德国科隆交响乐团合作的版本,几乎每场都不尽相同。演奏家根据当时的感受,在一些过渡音、节奏变化甚至旋律上都有即兴发挥,这给乐队、特别是指挥带来挑战。当晚演出时笔者注意到,指挥林大叶神情活泼,气口掌握好,带领乐队与演奏家的脉搏一起跳动。特别是此曲第二个华彩乐段结束时,大叶和里奥斯深吸一口气后弱声进入的柔美乐段,刹那间感动了我。

 

  顺便多说一句,上半场乐队除了开场曲外,都处于陪衬或较次要地位。指挥的良好控制与引导,令乐队对独奏家或独唱家起了很好的烘托作用,从未喧宾夺主,对音乐的完美呈现功不可没。
王云鹏的表现令人眼前一亮。这位已在国际舞台拥有一席之地的“深二代”男中音歌唱家,正处于快速上升的事业发展期,当晚演唱一西一中两首名曲。他显然很喜欢古诺歌剧《浮士德》中的《离开故乡去远征》,三个月内笔者已是第二次听他公开演唱此曲(上一次是春节前凤凰卫视的“龙凤呈祥全球华人新春音乐盛典”),相信这里面既有艺术偏好,也契合个人经历。云鹏的演唱音色醇厚,气息稳定,音区贯通,有爆发力,且颇具角色意识。第二首《黄河颂》也表现出色,如果没有麦克风,相信其音色的细腻层次会得到更好的展示。惟后半曲个别乐句,似与乐队尚欠磨合。

 

  雷佳是上半场最为人熟知的歌唱家,仍给人以惊喜。两首民族歌曲中,印青的《芦花》如歌谣般被喜闻乐见,雷佳的演唱无懈可击,但笔者更欣赏周雪石的《百日飞升》。后者有更引人的艺术魅力,更广阔的想象空间,也有更大的演唱难度。雷佳不愧为经验丰富的实力派歌手,将此曲唱得天高地远,荡气回肠。

 

  下半场的曲目更加多元化、民族化,也更体现“丝路”特色,甚至连拉威尔的古典名曲《波莱罗》也染上了民族和丝路的色彩。深圳音乐厅的舞台,瞬间成为一场演奏中的东西方乐器博览会。
开场节目是濮存昕朗诵的《将进酒》。濮存昕在著名作曲家叶小纲多年前创作的背景音乐里,用富有表现力的洪亮嗓音、恰如其分的表情动作,展示出对这首名诗精到的语言设计,进而感染了听众。乐队因在西洋乐队中加入了琵琶和竹笛等民族乐器,音效上与这首唐诗更为贴切。

 

  紧随其后,是此次音乐会前呼声颇高的法国美女小号演奏家露西安娜·勒诺丹·瓦莉。她演奏两曲,分别为乔治·格什温的《夏日时光》和理查德·罗杰斯的《我最喜爱的东西》,其中前者由格什温音乐剧《波吉与贝丝》中经典唱段改编而来。瓦莉身着休闲套装,以轻松姿态吹奏两曲,展现出小号柔情似水的一面。
 

  最具视觉渲染力的曲目,分别是姜莹为敦煌乐器与乐队创作的《极乐》、维吾尔族民歌《夏合夏其纳》以及姜莹为萨塔尔、十二木卡姆原生态歌手与乐队创作的《远方的祝福》。《极乐》的配器非常成功,8件敦煌古乐器与身后的交响乐队融合出令人难以置信的和谐效果。而在《远方的祝福》中,男高音卡米尔·毛拉在新疆弓弦乐器萨塔尔的伴奏下(演奏者为米和日古丽·阿不里孜),声音苍凉而通透,有一种感动人的力量。

 

  最后一曲《波莱罗》,在深交前任总监张国勇的指挥下,此前出现过的直嘴笙、莲花阮、班多钮、小提琴、五弦琵琶、龙凤笛、小号等依次担任独奏,直至与乐队全力合奏,将作品推向高潮。郑阳的编配和此次“一带一路”国际音乐季的现场演奏,向世界奉献了一个独一无二的《波莱罗》。

 

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大众评乐:《欧洲经典•拉美浪漫•中国风》——2018深圳“一带一路”国际音乐季开幕音乐会导赏

时间:2018-3-9 11:16 AM 分类:大家评乐 作者:辜晓进

  开春了,万象更新,包括音乐。

  尼采在《偶像的黄昏》中说:“没有音乐的生活简直就是个谬误,一种艰辛劳累,一次流亡。”有人断定法国音乐节的诞生与这句话有关,这当然只是一种臆测。但各类音乐节源自音乐在人类生活中的重要地位,却是不假的。

 

  于是我们迎来了2018深圳“一带一路”国际音乐季。将于3月23日举行的开幕音乐会曲目刚刚披露(尚不完整)。一瞥之下,琳琅满目,亮点纷呈,相信一定会给乐迷带来与去年开幕式完全不同的音乐体验。

  用“雅俗共赏”描述这台音乐会,显得过于抽象。曲目中家喻户晓的通俗小品如《辛德勒名单》主题曲,仍相当有品位,有深度,可谓俗中有雅;高雅作品如《波莱罗》,长达15分钟的固定节奏和不变旋律,却有一个舞蹈的精灵始终闪烁,因而并不那么高冷,分明雅中有俗。深交曾多次演奏此曲,算是驾轻就熟,笔者认为最好的版本是邵恩指挥的那一次。此次据悉由当年在深交转型中发挥重大作用的张国勇执棒,加上插入三大名家的独奏,听众有理由期待一个更精彩的《波莱罗》。

阿根廷班多钮手风琴大师瓦特尔·里奥斯(来源:网络)

 

  用“东西文化交融”形容这台音乐会,也不全面,还有来自南方的阿根廷呢。阿根廷音乐大师瓦特尔·里奥斯这次带来班多钮手风琴独奏,想不别开生面都难。这种手风琴既非常见的键盘式,也不是右手按键纽的“巴扬”,而是一种个头较小、被削去四角而形状稍显古怪、有点怀旧风格的手风琴。小巧却有着独特表现力的班多钮,缘起于德国而流行于拉美,是阿根廷的当家民族乐器之一。何况还有皮亚佐拉,这是谈起阿根廷音乐和世界探戈音乐绕不开的名字。被誉为“新探戈音乐之父”的皮亚佐拉赋予班多钮旺盛活力,几乎将其与探戈音乐划上了等号。果然这次就有皮亚佐拉的代表作《自由探戈》和他专为班多钮写的《再见诺尼诺》,演奏者里奥斯则被认为是皮亚佐拉的最佳传承者。对未见过班多钮或迷恋皮亚佐拉的爱乐者来说,如此原汁原味的手风琴探戈,岂容轻轻错过?

 

  曲目中,最值得关注的演奏家还有林昭亮。这位笔者数年前观看其演出而生“宝刀不老”之叹的华裔小提琴大师,此次除了《辛德勒名单》,还将演奏有一定难度且同样脍炙人口的萨拉萨蒂名作《流浪者之歌》。作为帕尔曼的同门师兄弟,1960年出生的林昭亮也出道甚早。其10岁就获台湾青年小提琴比赛冠军,12岁入读澳大利亚一家音乐学院,15岁考入纽约茱莉亚音乐学院,师从帕尔曼的老师多萝西·迪蕾,在校期间就先后与奥曼迪及其指挥的费城交响乐团和普列文及其指挥的伦敦交响乐团合作过,2000年被《音乐美国》杂志评为“年度器乐演奏家”。其在美国是与马友友齐名的华裔演奏家。

 

华裔小提琴演奏家林昭亮(来源:网络)

 

  还有充满青春活力的法国美女小号演奏家卢森纳·拉瑙丹·瓦莉。小号是铜管中难度最大也最费力气的旋律乐器,所以罕有女性入行,至少国内京沪广深的一流乐团中从未见过女小号手。笔者曾在其脸书账号上看过她自己上传的多个演奏曲目,无论音乐还是炫技,都会令很多须眉感到汗颜。她这次带来的曲目是《飞越彩虹》(Over the rainbow)和《夏日时光》(Summertime),笔者不太熟悉,似乎是根据歌曲改编的。看来90后姑娘这次不和你玩古典。

 

     法国美女小号演奏家卢森纳·拉瑙丹·瓦莉(来源:www.kusc.org

 

  回到中国。节目单上的开场曲目是关峡的《节日序曲》。知道关峡,是因为17年前观看电视剧《激情燃烧的岁月》。当时看得热血沸腾,也被剧中音乐所打动,一时认为那是中国最好的电视剧配乐,作曲者关峡的名字便被记住了。看完后查阅,方知剧中音乐全部来自关峡的《第一交响曲》。作为中国交响乐团团长的他,前后创作了很多作品,包括《节日序曲》。以此曲开篇,兼顾气氛、新意、本土、原创等因素,也体现主办者之良苦用心。

 

  必须提到一中一洋两大青年歌唱家,雷佳和王云鹏。雷佳作为著名军旅民族歌唱家,近年炙手可热,前不久还亮相央视春晚,此次将带来三首民歌,很多人会喜欢的。男中音王云鹏则是深圳人最值得骄傲的本土歌唱家。这位80后“深二代”,从中央音乐学院毕业后,即赴纽约曼哈顿音乐学院攻读硕士,此后在国际舞台崭露头角,在多部经典歌剧里扮演重要角色,继而成为纽约大都会歌剧院的签约歌唱家。最近一次听他演唱是今年春节在凤凰卫视的“龙凤呈祥全球华人新春音乐盛典”,其浑厚宽阔的音色和高挑俊朗的台容,颇具感染力。他可能是自李云迪张昊晨之后,深圳又一位具备国际竞争力的音乐家。

 

青年男中音歌唱家王云鹏(来源:网络)

 

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大众乐评:《听普列特涅夫 品俄罗斯之声》——俄罗斯国家交响乐团与米哈伊尔•普列特涅夫音乐会导赏

时间:2018-3-9 10:00 AM 分类:大家评乐 作者:辜晓进

  最近一次欣赏普列特涅夫的现场演出,是去年8月在瑞士韦尔比耶音乐节。在大师云集的这次音乐节上,普列特涅夫两次出场:第一次是作为独奏家,与乐队合作演奏舒曼的《a小调钢琴协奏曲》;第二次是作为指挥家,在音乐节闭幕音乐会上指挥庞大的节日管弦乐团,与著名小提琴家吉妮·杨森演奏柴可夫斯基的《D大调小提琴协奏曲》,以及老柴的《f小调第四交响曲》和格拉祖诺夫的交响组曲《来自中世纪》。

 

  普列特涅夫内敛,深沉,演奏完毕后对满场的掌声和欢呼声并不热情回应,似乎一直沉浸在自己的音乐世界里,而他有说服力的演奏再次为他赢得声誉。一同前往观摩的小提琴教育家、指挥家王家阳教授感慨地说,“他的演奏每个音符里都有东西。”他指挥闭幕音乐会时,面对老柴两大名曲,他彷佛来到了自己的主场,满怀激情地调动上百人的乐队,将独奏小提琴烘托得光芒四射,又把“柴四”演绎得大气磅礴。他的强大气场和在艺术家中受到的尊重,均给我留下了深刻的印象。

 

普列特涅夫在2017韦尔比耶音乐节演奏后谢幕(辜晓进 摄)

 

 

普列特涅夫作为指挥与小提琴家吉妮·杨森合作柴可夫斯基《D 大调小提琴协奏曲》后两人拥抱(辜晓进 摄)

 

  此次普列特涅夫首次莅临深圳,将带来拉赫玛尼诺夫的《c小调第二钢琴协奏曲》。被简称“拉二”的这部作品,是史上最伟大的五大钢琴协奏曲之一,也是与老柴《第一钢琴协奏曲》齐名的俄罗斯钢琴协奏曲。与“柴钢一”的华丽辉煌相比,“拉二”忧郁气质的音乐叙事,也让很多人着迷。虽然几乎所有著名钢琴家都会将此曲作为自己的保留曲目,但“一百个人眼中就有一百个哈姆雷恩”,钢琴家指尖的“拉二”也各有不同。而普列特涅夫,很可能会为深圳听众献上迄今最接近作曲家原意或最具俄罗斯味道的“拉二”。

 

  这样说是有充分理由的。普列特涅夫出生于俄罗斯音乐世家,父母分别是钢琴演奏家和巴扬(键纽式手风琴)演奏家,本人毕业于莫斯科音乐学院,40年前(当时21岁)就夺得柴可夫斯基国际音乐比赛钢琴组的金奖。此后他活跃于欧洲国际舞台,与一流的交响乐团合作,并由德国唱片公司DG灌制了很多唱片或CD。他的演奏作品和录音曲目,大都来自俄罗斯,特别是拉赫玛尼诺夫和柴可夫斯基的作品。他也因此被认为是演绎俄罗斯钢琴作品的最权威大师之一。英国《卫报》10多年前曾这样报道他:“对钢琴家米哈伊·普列特涅夫而言,世界上没有比谢尔盖·拉赫玛尼诺夫更伟大的作曲家了。”暗指普列特涅夫将拉赫玛尼诺夫的作品放在了第一位。可见,此次能在深圳现场听他的“拉二”,机会确实难得。

 

普列特涅夫演奏钢琴(网络图片)

 

  普列特涅夫还像巴伦博伊姆那样由钢琴家转向了指挥家,并很快在国际指挥界奠定了自己的地位。他曾指挥乐队在DG等著名唱片公司灌制了数十张唱片,包括柴可夫斯基和贝多芬的全部交响曲。而他执棒的乐队正是他自己亲手创立的俄罗斯交响乐团。说起此事还有段佳话。据国际古典音乐网普列特涅夫页面介绍,1988年他应邀赴华盛顿参加“超级大国会议”(superpower conference)演出时,遇见当时出席会议的的苏联领导人并与之成为朋友。正是在其支持下,他于两年后创建成立了俄罗斯第一个非官方的国家交响乐团——俄罗斯交响乐团,并担任首任首席指挥。俄交在普列特涅夫的精心培育下,很快发展成为世界知名的交响乐团,迄今灌制唱片超过80张,其中的普罗科菲耶夫作品《彼得与狼》获得2004年格莱美奖,成为俄罗斯首支获此唱片业最高荣誉的交响乐团。

 

  俄交此次将演奏的另一个曲目仍是拉赫玛尼诺夫作品:《交响舞曲》。该作品名曰“舞曲”,其实与交响曲无异,有完整的架构,有3个乐章,时长超过35分钟。更重要的是,该作品一如拉氏其他佳作,旋律优美动听,音乐形象丰富,配器富有创意,哪怕新入门的乐迷,听来也绝无枯燥感。担任指挥的是比普列特涅夫晚一辈的俄罗斯新锐亚历山大·斯拉德科夫斯基。后者先后毕业于莫斯科音乐学院和圣彼得堡音乐学院,在圣彼得堡等地多个乐团担任过首席指挥,现为鞑靼斯坦共和国国家交响乐团的音乐总监和首席指挥。

 

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大众评乐:伦敦爱乐三访深圳仍回避德奥音乐

时间:2018-1-2 03:45 PM 分类:大家评乐 作者:辜晓进

 

        一如2015年那次,2018年元旦第一晚的音乐会仍由伦敦爱乐乐团(LPO)包圆,而且这次仍是最近深圳诸多新年音乐会中水准最高的一场。记得2010年艾森巴赫率该乐团首次来深演出,就给我震撼印象。当时虽花1680元坐在J区(其实仅就声音而言,深圳音乐厅最好的位置就是 J 区。票价虽是二等,却要比 A 区前排的一等票好若干等级),却深感物有所值。而艾森巴赫的强大气场及其对《自新大陆》的独特诠释,给了我很大满足感。

 

        伦敦爱乐在深圳的人气也是最旺盛的。每次来演出,票都早早售罄。今年这次,虽然最近几乎每天有新年音乐会以及与央视现场转播的维也纳新年音乐会撞车,昨晚的上座率仍超过9成。8年来的三次观赏,发现维也纳爱乐还有两个有趣特点:其一,虽是新年音乐会,却从不走雅俗共赏的小品路线,都是大部头严肃音乐(2015年那次下半场是个例外,演了多首老柴圆舞曲)。其二,虽是西欧乐团,却特别钟爱斯拉夫作品(这次加了北欧作品),而回避德奥经典,更从不沾本国音乐。例如第一次来演奏的是德沃夏克的第八、第九交响曲,2015年是肖邦和柴可夫斯基,昨晚则是俄罗斯和芬兰作品。

 

 

        回到音乐会。昨晚上半场是柴可夫斯基的《罗密欧与朱丽叶幻想曲》和脍炙人口的大提琴与乐队《洛可可主题变奏曲》,后者由哥本哈根年仅30岁的大提琴家布兰特里演奏。虽然年轻,布兰特里在舞台上却是老道从容,大幅度的揉弦和精准的落指,令声音即便在高音区,也显得坚实而温暖,对技术上的挑战也应对自如,且与乐队配合默契。在观众的欢呼声中,他加演了巴赫无伴奏奏鸣曲一首。

 

 

        下半场是西贝柳斯的《第二交响曲》。这也是伦敦爱乐在深圳第一次离开东欧而选择北欧作品。西氏作品大都既深刻、优美而充满激情,且蕴含民族之魂,而这部“西二”较之《芬兰颂》这样的宏大叙事,更是多了精巧与灵动。伦敦爱乐的演绎,可谓完整、完美。弦乐的柔美与凌厉,铜管的硬朗与爆发,都给人留下深刻印象。说实话,最近听的一些新年音乐会多少都有点瑕疵,直到伦敦爱乐,才到了最理想的境界。套句白居易的诗,就是“如听仙乐耳暂明”。

 

 

        最后安可两曲:第一曲是西贝柳斯的《忧郁圆舞曲》,由弦乐和少量木管演奏,旋律伤感,织体透明,极具魅力。我现在心里想的就是到哪儿能买到此曲的CD?第二曲是人所共知的勃拉姆斯《匈牙利舞曲》第五首,这也是乐团三次来深圳第一次加演德奥作品。指挥是70后的彼得连科,俄罗斯人,看上去像个80后,但对乐队的掌控能力和对作品的理解届令人称道。

 

    (王磊/摄影)

 

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大众乐评:伦敦爱乐乐团的惊喜深圳元旦夜

时间:2018-1-2 03:42 PM 分类:大家评乐 作者:左驰

 

        2018年的元旦夜,深圳音乐厅在这个传统的新年档里第三度迎来了伦敦爱乐乐团(London Philharmonic Orchestra)。乐团前两次分别在指挥家克里斯多夫·艾森巴赫和瓦西里·辛奈斯基的率领下造访,这次带队前来的指挥则是由最具影响力的古典音乐类杂志《留声机》评选出的2017“年度艺术家”瓦西里·佩特连科(Vasily Petrenko)。

 

        当晚的这场重量级新年音乐会,以柴可夫斯基的《罗密欧与朱丽叶》幻想序曲开场,乐队的弦乐声部一出声便展现出了极富质感的音乐表达,大提声部和低音提琴声部的音色尤为扎实沉稳。指挥家佩特连科针对作品前半段的弱奏音乐铺垫很足,相当完美地传达出这部性格色彩鲜明的,以著名英国剧作家威廉·莎士比亚经典同名悲剧文本为主题所创作作品,所应当具备的所有戏剧化特征。

 

        乐队英国管乐师的独奏片段为作品垫下了丰富的情感基调。而木管声部长笛女首席的独奏音色更是亮丽通透。此外,乐队竖琴首席的独奏也烘托出朦胧的作品气氛。这支伦敦爱乐的小提声部弓法整齐划一,《罗朱》幻想序曲当中所有繁复的速度和节奏变化都尽在掌握,同时对于台上指挥家的动作指示,亦有着极其灵敏的音乐反馈。弦乐组里,乐队低音提琴声部的表现格外亮眼。而铜管组当中,乐队长号声部做到了在该凸出的地方就尽量凸出:圆号声部的音量则正好相反,相对隐忍节制。

 

        这样一部情感浓郁的俄国作曲家作品,当晚台上伦敦爱乐的演绎少了两分斯拉夫乐团的简单粗暴,却多了三分英伦乐团所特有的细致优雅,乐队整体所呈现出的艺术品味与音乐审美令人称道。

 

 

        台上负责执棒的佩特连科指挥手势时而舒缓,时而坚毅,他那精准的动作指示得到了乐队反应灵敏的音乐回应。作为当下屈指可数的“75后”俄派指挥才俊,佩特连科针对柴可夫斯基作品的诠释风格让人信服。

 

        一曲演毕后,紧接着是上半场音乐会的重头戏——柴可夫斯基为大提琴与管弦乐队而作的《洛可可主题变奏曲》。担当独奏的是丹麦新生代的大提琴家安德里亚斯·布兰特里(Andreas Brantelid)。可见他演奏时的坐姿、架势都极其规整,显而易见是曾接受过严格规范的系统大提琴训练,散发出的是一种学院派的艺术风范。布兰特里手中那把珍贵的斯特拉迪瓦里名琴,演奏时的琴音并不大,但却低声细语当中不急不躁、言之有物:柔和轻缓之下一点一滴、娓娓道来。他其实没有太多外在彰显的表情变化,似乎一切都在让音乐本身说话,他透过自己的琴声在倾诉个人所有的内在情感,显得质朴而纯真。

 

        作为协奏乐队,伦敦爱乐没有丝毫的喧宾夺主,音乐上的出彩表现都尽量留予台上的大提琴独奏家布兰特里了。在这部作品的最后一个变奏,即第七变奏“急速的快板”,大提琴独奏布兰特里和乐队长笛女首席之间的音乐对话细腻到位,那种犹如从天而降般地艺术热情迸发,一直持续到了乐曲的结束。最后,几度返场谢幕的布兰特里,在全场观众热情洋溢的掌声簇拥之下,报幕并加演了一首J.S.巴赫的《大提琴无伴奏组曲》之“奏鸣曲”。上半场的音乐会就在这首经典的大提琴加演作品当中,被划上了完美的句点。

 

 

        下半场迎来了整场音乐会的最大看点——西贝柳斯《第二交响曲》。作品开头的乐队弦乐声部齐奏一出来,就让人感觉到该曲的演释肯定靠谱。果不其然,长笛女首席一如既往地延续着上半场的出众表现,她毫不胆怯、无所畏惧的独奏段落吹奏,叫人印象深刻。这支乐团的弦乐声部素质过硬,每一次大段落的齐奏都深得人心。

 

        西贝柳斯《第二交响曲》(西二)首乐章“小快板”当中,乐队铜管声部也有着上佳的表现,无论是居于舞台右后方的小号、长号和大号声部,还是位于舞台左后方的圆号声部。作品的这个第一乐章,主部主题呈示出的是一番常年冰天雪地、天寒地冻的作曲家故国芬兰的真实环境写照。

 

        作品第二乐章“行板”,乐队低音提琴和大提声部一前一后的拨弦力度到位,紧接着大管声部首席的独奏展现出了相得益彰的情感衬托。在一段层层递进的主题发展过后,该乐章中段,整个弦乐声部的极弱奏无疑构成了一大亮点。台上七十余人编制的乐队,显示出的是无穷无尽、深不见底的艺术动能。

 

        指挥家佩特连科对乐队可谓有着十足的掌控,身为挪威奥斯陆爱乐乐团音乐总监兼首席指挥的他,对同为北欧国家的芬兰,及其最重要的民族乐派作曲家西贝柳斯的交响乐作品,也绝对称得上是有着相当程度的深入理解与心得体会了。

 

 

        作品第三乐章“最急板”的开篇,乐队的演奏是一阵突如其来的风驰电掣、疾风骤雨,但却又完全不会给人以杂乱无章之感。乐队弦乐声部至始至都保持着稳健如一的动人表现,木管声部长笛女首席和双簧管老首席的表现交相辉映。

 

        在乐队的演奏不加停歇地直接切入到作品末乐章“中庸的快板”以后,作品主题的再现一时间无比壮阔辉煌。舞台上的七十多位音乐家都状态神勇,赋予了作品在音乐上所向披靡的精彩呈现。

 

        佩特连科执棒下的伦敦爱乐乐团,针对“西二”整曲的演绎,充分挖掘出了西贝柳斯作品当中所特有的雪国音乐意象;在意境上更是力求完美展现以西贝柳斯为主要代表的北欧民族乐派音乐风格上的凛冽深邃。“西二”结束时的尾声无比绚烂,顷刻间便将全场音乐会给推向了一个极致的高潮。

 

 

        一阵阵不曾停歇的热烈掌声环绕着整座音乐厅,而在收获到台下女观众的一束捧花后,喜出望外的佩特连科立马转身放下花束后,就开始示意乐队加演。

 

        刹那间,乐队奏响了西贝柳斯的《悲伤圆舞曲》,以一首应时应景的圆舞曲作为这场新年音乐会的加演作品,的确是恰到好处、让人叹服的。值得一提的是,昨晚也正值一年一度的维也纳爱乐乐团金色大厅新年音乐会,三年前适逢芬兰作曲家西贝柳斯诞辰150周年,他的这首《悲伤圆舞曲》最后因为版权原因,还错过了在2015年维也纳爱乐新年音乐会上的亮相机会。深圳音乐厅的观众很幸运,因为伦敦爱乐将这个三年前新年音乐会上的遗珠之憾变成现实,转化为了对昨晚所有在场观众在2018年元旦夜最诚挚的新年祝福。

 

        最后,敌不过音乐厅里满场观众的兴奋劲儿,佩特连科又再一次回到舞台上,指挥乐队加演了一首勃拉姆斯的《匈牙利舞曲第五号》,并且还谐趣地不时转向观众席,以带动起台下观众的鼓掌积极性。应和着时而激越、时而轻盈的舞曲音乐,全体观众回馈以配合默契、音响有别的掌声伴奏,令昨晚这一元旦夜的节日氛围特别融洽。既然天下没有不散的筵席,那就让我们在来年的新年音乐会,在2019年的元旦夜再聚深圳音乐厅吧!

 

   (王磊/摄影)

 

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大众乐评:唱艺术歌曲的歌剧传奇

时间:2017-11-22 02:03 PM 分类:大家评乐 作者:汪贝贝

        被誉为“21世纪的帕瓦罗蒂”的乔纳斯·考夫曼是我十分喜爱的抒情戏剧男高音,一直盼望可以听到他的现场演唱。自从2016年10月3号考夫曼发表声明:“因为过劳挫伤,声带受损,已取消所有演出,无限期休息,直到声带全部康复才可能复出,以避免不可逆转的声带损伤”的消息后,听现场的愿望则更加强烈。然而在2017年11月11日深圳音乐厅,笔者有幸首次听到他的现场演出,这让笔者十分兴奋。这场独唱音乐会是2017年考夫曼首次来华的演出,可见深圳音乐厅十周年演出季的重磅程度。

        因来到音乐厅时演出即将开始,于是匆匆的拿了节目单,还未来及看便冲向了听众席,坐下后细细看来:节目单封面除了有英俊迷人的考夫曼半身照外,还有如大家所期望和评价的一样——“歌剧传奇”四个大体字,当然他本人是绝对称的上这个称呼的,因为从2006-2007年音乐季饰唱《卡门》中的唐·何塞起,便被众多乐评家和听众喜爱,他既是抒情男高音,又是戏剧男高音,精通德、意、法歌剧作品,剧目广泛、多才多艺。然而打开节目单看到音乐会曲目时,跟我预想的却有些偏差:曲目全部是艺术歌曲!

        于是疑问来了,一个唱歌剧出身的男高音,为何一整场独唱音乐会中居然没有一首歌剧选段,却是清一色的艺术歌曲呢?带着这个疑惑和好奇心,音乐会开始了。

 

 

        听完整场音乐会,我认为考夫曼已不仅仅是演唱家,更是一位具有“戏剧性思维”的演唱家,他运用了戏剧的方法为音乐会做了曲目安排。

        首先,从曲目选择的方面来看,其中三分之一的曲目是不常听的曲目,还有三分之一的曲目笔者还未听过。为什么要选择这些相对“生僻”的艺术歌曲,而不是选取考夫曼在行的、大家耳熟能详的歌剧选段呢?考夫曼不怕中国观众因语言、文化等差异而不喜欢,很难产生音乐上的共鸣吗?

        笔者发现,曲目是从五位音乐家的艺术歌曲中选取的。上半场为弗朗茨·舒伯特、罗伯特·舒曼和亨利·迪帕克,这三位都是浪漫主义时期的善于艺术歌曲创作的作曲家。从作品风格来看,选取的舒伯特的4首艺术歌曲,轻松活泼,歌曲结构相对规整简单,音乐情感相对单一简单,很像一位“少年”,喜怒显露于色;而舒曼的《十二首诗》中选取的5首,歌曲风格多样,结构不再规整,开始有些变化,音乐情感相对内敛丰富,加上舒曼音乐中特有的“思考性”,更像是一位正经历人生波折坎坷的“中年男子”,多了对世故和人生的思考;迪帕克的4首艺术歌曲则更加注重艺术歌曲中诗歌所要表达的意境,音乐更加的细腻入微,歌曲结构模糊,音乐旋律带给观众一种空灵、安逸、祥和、宁静的感觉,宛如一位“老者”,回顾着充满欢乐、悲伤、激情的往日,然后释然的一生。上半场结束后,笔者并没有感觉自己是在欣赏一场艺术歌曲,每首歌曲之间没有“跳脱感”,每个阶段(每位作曲家)的风格又十分突出和鲜明,这更像是一部描绘“人的一生”的音乐戏剧,一幅人从少年走到中年、再到晚年的音乐画卷。

        中场休息时,笔者十分兴奋,一方面是笔者不用担心因为“近视眼”而不能理解歌曲的感情和意境,因为笔者体会到了考夫曼想要传递给我们的音乐想法和情感;另一方面笔者十分期待下半场,它会带来些什么新的感受。

        下半场的曲目是弗朗茨·李斯特和理查德·斯特劳斯的作品,这两位作曲家的艺术歌曲当然没有上半场的“有名(更多音乐会出现的都是他们的钢琴作品)”,但考夫曼对作品的诠释,使得这些“生僻”的歌曲承托起下半场的重量,这便是人与音乐永恒的主题——“爱”。李斯特的裴德拉克三首十四行诗,音乐在华丽流畅的旋律中隐含着激烈的、纠结的、忧伤的感情,让听众体会到爱的欢乐与痛苦交织矛盾的心理;而施特劳斯的7首艺术歌曲则不是“内心活动”,他回归到了现实,像是在描述自己与心爱的人约会、争吵、交谈等日常,这是真实的“恋爱”。两位作曲家的作品,一位反映内心,一位反映真实,全面的为听众阐释了音乐里爱情的模样。

        其次,考夫曼除了对作曲家、曲目风格、歌曲阐述的内容进行了精心的挑选外,还十分注重“戏剧节奏感”,简单的说,就是曲与曲之间快慢、风格的安排。如舒曼《十二首诗》节选的5首艺术歌曲,第一首(I号)是相对悲伤的、激烈的;第二首(IV号)音乐节奏放慢,音乐变得欢快、跳跃;第三首(VII号)音乐变得诙谐、欢快,节奏为快板;第四首(IX号)突然转为很慢的、悠长的旋律,音乐情感变得丰富;第五首(X)紧接着第四首的情感,将音乐的情绪加浓,逐渐推上高潮。舒曼的5首歌曲,有对比、有冲突、有高潮,在考夫曼的安排下有了“戏剧节奏”,有张有弛,从而使整场音乐会具有了戏剧感。还比如李斯特的《佩特拉克的三首十四行诗》,将前两首调换了位置,先唱II号,再唱I号,这种安排考夫曼一定是有他的考虑,有他的“戏剧思维”,当然带给我们的也是一种带有戏剧特点的音乐体验。

        最后,正是因为考夫曼选择这些不为大家熟知的艺术歌曲,听众才会摒弃以往的音乐经验,从而更加集中注意力去欣赏考夫曼的声音、德伊奇的琴声以及音乐想要传达的情感。考夫曼拥有羡慕嫉妒的丰厚音域,有辉煌的高音,也有有厚度的低音,比如在演唱迪帕克的《菲迪莱》时,音乐的线条跨度很大,并有几个八拍的持续高音,考夫曼用他的声音和音色控制,营造了一种空灵感,宛如天堂的声音,让笔者脑中浮现出一幅安静的、慈祥的老人在沉思的画面。

        当然整场音乐会并不是考夫曼一个人的独角戏,还有古典音乐节赫赫有名的钢琴指导——赫尔穆特·德伊奇琴声的陪伴和指引。德伊奇动人的琴声不仅展现了五个作曲家在艺术歌曲创作中,钢琴织体的不同运用方式,以及在整个浪漫主义时期的传承和演变。同时,钢琴在这场“戏”中扮演着一个重要的角色,他时而像“少年的玩伴”,欢乐活跃;时而像“人生逆境的导师”,深沉内敛;时而像“倾述的对象”,安静的陪伴;时而像“恋人”,纠结悲伤、缠绵甜蜜。

        他俩的合作,就像演了一场好的“对手戏”,给听众带来了一场听觉上的享受!

 

 

        没错,考夫曼是位全面的演唱家,这场音乐会充分的展现了他那让人羡慕的声线、音色和音域,丰富的语言能力,极广的曲目单,俊美的长相,一流的舞台功架,这些都与他的天赋和努力分不开,但这些只能停留在“表演”的层面,若以为考夫曼的优点只停留在这些方面上,就低估他了;这场音乐会还让我们看到一位具有逻辑戏剧思维的男高音,这是十分可贵的,笔者认为这与他常年演出演唱歌剧(戏剧中的一个门类)是分不开的,在笔者心中他已上升为一名艺术家!

        (王磊/摄影)

 

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大众乐评:到这里寻找平安

时间:2017-11-16 02:41 PM 分类:大家评乐 作者:Dorcas

        若是你错过了这个夜晚,错过的就不仅仅是一场音乐会了。

        今年正是深圳音乐厅诞生十周年,在这十年中,听过了不知多少场交响乐、室内乐,钢琴、小提琴,甚至古琴、琵琶等各种合奏、独奏音乐会,也听过不少中外著名合唱、独唱,但第一次现场饕餮了一次艺术歌曲的大餐,而且还是古典乐坛炙手可热的声乐巨擘——乔纳斯·考夫曼,除了他那荡涤人心的声线、无法抑制的激情和竭心尽力的奉上,对外貌协会的来说,更是一大损失了。

        很早就听一位钢琴家极力推崇过艺术歌曲,这晚简直就是坐在了米其林三星餐厅的感觉,每一道菜上来都让人惊艳。

 

 

        侧门一开,现场已是掌声雷动,帅呆了的考夫曼,挺阔、洒脱地走上来,稍定,一尾轻松、灵动的《鳟鱼》已飘然而出……

        也许有人会问,什么叫“艺术歌曲”?简单说就是“诗的乐、乐的诗”;音乐厅有一句话说得特别好,“我能想到最浪漫的事,就是为你把诗唱成歌”,艺术歌曲就是诗歌与音乐的完美结合。

        这首可爱的《鳟鱼》,是18世纪德国诗人舒巴特的一首诗,当时他因政治因素遭囚禁,在牢狱生活中充满对自由的渴望,于是写出了《鳟鱼》,后来舒伯特将其谱成艺术歌曲。没听过这首歌的人,对它的旋律也一定不陌生。1819年,舒伯特在阿尔卑斯山区度假时,受到赞助人的委托,创作了一首钢琴五重奏,其中就使用了歌曲《鳟鱼》的主旋律,这部作品也由此被称为《鳟鱼五重奏》,成为他室内乐作品中最杰出的代表作。

        有人说,进入莫扎特的世界,要听他的歌剧;而进入舒伯特的世界,则要听他的艺术歌曲。舒伯特是继古典主义时期海顿、莫扎特、贝多芬之后,又一位伟大的作曲家,一生虽然只有短暂的31年,却创作了大量艺术歌曲,因旋律优美、造诣深厚,人们将他称为“艺术歌曲之王”。

 

 

        几乎没有任何停顿,考夫曼直接站在了《菩提树》下,那位远离故乡、在黑暗中行走的流浪汉,好像听见树叶在对他轻声呼唤:“到这里寻找平安!”流浪汉的艰辛、《井旁少年》的欢乐、《艺神之子》的哀叹,几首蕴含强大情绪张力的诗歌,考夫曼以他无比丰富的声音艺术带我们进入了一场“冬之旅”,你可以不懂歌词,但诗意的想象足以将你带入到当下的情境中。

        对舒伯特而言,创作一首歌不是把文字配上音乐,而是把诗歌转化成音乐。他对诗歌天生有一种深刻的理解,同时也拥有将诗句从语言化为音符的表现技巧,数行乐谱就描绘出喜悦的强度或痛苦的深度,而且逻辑严密、短小精悍。

 

        继舒伯特之后的又一位“诗人音乐家”舒曼,在艺术歌曲方面的创作也成就非凡,虽然继承了舒伯特的传统,但艺术表现方面的深度远远超过了舒伯特。他在歌词的选择上非常严格,经常选用歌德、海涅等德国诗人的诗歌,歌曲构思精致、富于诗意,创作上大部分以爱情为主题。舒曼歌曲最大的特点体现在声乐与钢琴的密切关系上,人声和钢琴伴奏相互对答、相互衬托。

        这里不得不提当晚的钢琴伴奏赫尔穆特·德伊奇,真正把舒曼创作的特点表现得淋漓尽致。人声、钢琴——以这种最简单的搭配,走向纯粹的情感表达,他的欢喜、忧伤、畏惧、向往、冲动、安宁……

        舒曼说,“在人的一生中,我们已达到的目标不再是目标,我们渴望、挣扎,向往的越来越高,直到死亡令我们闭上双眼,让饱受风雨袭击的身体和灵魂在坟墓中安眠”。

        我想,考夫曼对这些诗歌、乐曲有着多么深邃的感悟,确切地说,是对生命的领受,才有如此深沉的演唱,不高冷、不炫技、不张扬,他的歌声像湖中的天鹅、空中的飞鸟,优雅、舒展、流畅,从容到达那至臻的境界……演唱间隙,不时有观众禁不住向考夫曼大喊,虽然听不懂德语,感觉一定是“我爱你”之类的,他谦卑地向大家鞠躬致意。

 

 

        舒曼的《十二首诗》中节选了五首,最喜欢《风雨夜的欢乐》和《沉默的眼泪》,常常是声音止了,气息还在袅袅徜徉……之后是亨利·迪帕克的四首,下半场亦是大家较为熟悉的弗朗茨·李斯特和理查德·施特劳斯的作品,又唱了十首。考夫曼似乎越唱越兴奋,毫无疲倦之感,每一首歌都是那么专注,或沉静、或温存,或轻盈、或稳健,唯有一样是共通的,那就是纯粹,这是一个人的幻境,从世俗的藩篱中挣脱出来,对音乐的领悟更澄澈,对艺术的表达更透明,一种无与伦比的美。

        整整23首歌,在这样的一场盛宴之后,怎么还可能加演呢?观众都站起来为他鼓掌,久久不肯停下;考夫曼一次又一次出来谢幕,不知道是不是深圳的观众太爱他,还是他被大家的热情所感动,加唱一首、再来一首。

        终于心满意足地离去,没想到他再次出现,站在大厅的大屏幕前,我得已仔细端详他大卫雕像一般的脸,头上的卷发是一圈圈银白的光,额角都是细密的汗珠,最让我动容的是,他的眼睛里闪着泪光,举目向上,那是一种极深的敬拜,天、地、人,合一,这才是艺术真正的辉煌。

        我爱音乐厅,是因为只要来到这里,就可以将所有的喧嚣关在外面;在考夫曼的歌声中,我的心是那么地平静安稳;世间所有美妙的声音,都抵不过他所造的人声这么至美至纯……

        (王磊/摄影)

 

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